# Red Apple Zine > Fanzine digital sobre cine, música y cultura general. Reseñas, entrevistas y editoriales con una mirada propia sobre el arte y la cultura. Public Ghost content for AI and LLM tooling. This file includes a bounded export of public pages first, then recent public posts. Append `.md` to any post or page URL to get the content in Markdown (for example, `/example-post.md`). ## Pages ### Sobre el fanzine URL: https://www.redapplezine.com/about/ Last updated: 2026-07-10T13:41:13.000Z ## Red Apple Zine es un fanzine digital, hecho a mano para quienes todavía creen que el arte merece tiempo, atención y una mirada propia. Aunque vivimos rodeados de contenido, este espacio existe para detenerse, seleccionar y compartir aquello que realmente creemos que vale la pena. Nunca hubo tantas películas, tantos discos, tantos libros, tantos eventos y tantas opiniones al alcance de la mano. Sin embargo, cada vez cuesta más encontrar algo que realmente nos conmueva. Todo parece moverse demasiado rápido. Las conversaciones duran un día, las recomendaciones se repiten y los algoritmos terminan decidiendo qué vale la pena mirar antes que nosotros. **Red Apple Zine** nació como una respuesta a esa velocidad. ## No para escapar del presente o pretender que no existe, sino para disfrutarlo de otra manera. Creemos que el arte todavía puede hacernos mejores preguntas. Que una película puede cambiar una forma de mirar el mundo. Que una canción puede acompañarnos durante años. Que un libro puede llegar en el momento justo. Y que una entrevista puede revelar mucho más que un momento viral. No creemos en consumir cultura por obligación ni por miedo a quedarnos afuera. **Creemos en descubrirla con curiosidad, compartirla y defender aquello que merece permanecer.** Conviven películas conocidas con otras que casi nadie vio. Bandas independientes junto a artistas consagrados. Libros, museos, fotografías e historias que, por alguna razón, nos hicieron detenernos un instante. ## Porque no luchamos contra la masividad, contra lo mainstream; luchamos contra el contenido vacío, el repetido, el que no tiene nada que aportar. Este también es un espacio para quienes todavía creen que escribir requiere responsabilidad, que las opiniones deben construirse sobre hechos y que el periodismo cultural puede ser apasionado sin renunciar al rigor. **Red Apple Zine** no responde a una agenda, a un algoritmo ni a una tendencia. Responde únicamente a una convicción: **el arte sigue siendo una de las formas más espectaculares que tenemos de entender quiénes somos y el mundo que habitamos.** Para entender el pasado, cambiar y habitar el presente y construir el futuro que queremos. ### Porque el futuro no se hereda, también se escribe. Juntos. Si llegaste hasta acá, probablemente estés buscando lo mismo que nosotros. Encontrar un lugar donde todavía valga la pena quedarse un rato. Encontrar un refugio. **Bienvenidx a Red Apple Zine.** ## Posts ### Hay que temerle a los vivos, no a los muertos URL: https://www.redapplezine.com/hay-que-temerle-a-los-vivos-no-a-los-muertos/ Last updated: 2026-10-11T03:06:54.000Z De vez en cuando y dependiendo el contexto, mi abuela solía decir una frase: **"hay que tenerle más miedo a los vivos que a los muertos"**. Y probablemente hayas escuchado este refrán o una reversión de él, pero con el mismo objetivo de sacar las cuestiones fantasmales o espectrales de una ecuación en un mundo que aún no puede confirmar la existencia de seres paranormales. Lo que sí podemos confirmar y aún más en esta época en la que vivimos es que los humanos, en su gran mayoría, quieren destruirse entre sí, buscando cada uno una excusa que lo exonere de algún tipo de maldad. Por supuesto y aclaro, no todos lo son, pero estamos viviendo tiempos donde cada emoción está siendo empujada a límites que creíamos que ya no existían: **la corrupción, la desinformación, la pobreza y la desidia hacen estragos, por más que los negacionistas o defensores de la ultra derecha quieran hacernos ver lo contrario.** Todo esto que escribo es un pequeño preámbulo que se me disparó en la cabeza al ver "Mis Muertos Tristes" en Netflix, una miniserie adaptada de un cuento de Mariana Enríquez (quien es la productora también del proyecto) y dirigida por el cineasta chileno Pablo Larraín. Y acá hago una salvedad antes de que lean y piensen que hablaré de los textos originales: no lo leí y admito que no soy un fiel consumidor de la escritora argentina. **Pero si hay algo que me fascina de sus mundos es cómo mezcla la sociedad y su identidad bonaerense con los terrores más clásicos, dando un resultado espectacularmente aterrador.** Porque claro, estamos más acostumbrados a leer o ver cosas de terror que suceden en Estados Unidos o Europa, pero cuando ves que los fantasmas existen en Villa Lugano, la cosa cambia por completo. Te acercás más y las historias comienzan a ser más familiares y, de alguna manera, extrañamente fascinantes. Comenzás a entrelazar la ficción con tu propia vida y experiencias y ahí es dónde gana valor cada relato. Pero, ¿tanto para hablar de un cuento/miniserie sobre fantasmas? Sí, porque hay varias capas en las que hay que ahondar. ![Escena de la miniserie Mis muertos tristes, de Pablo Larraín](https://storage.ghost.io/c/cb/7d/cb7dca38-e0b5-4dfb-9068-d3ec8e2de0ec/content/images/2026/09/mismue1-1.jpg) ## **CAPA 1 - TERROR CLÁSICO PERO BONAERENSE** "Mis Muertos Tristes" sucede en Villa Lugano, específicamente en Piedrabuena, un barrio abandonado por políticos y policía, donde popularmente se se conoce a estos lugares como "tierra de nadie". En estos lugares uno puede verlos como casi post apocalípticos y anarquistas, donde las leyes parecieran no existir: los robos suceden todo el tiempo, las amenazas son constantes y los vecinos, cansados de ser las víctimas, se convierten en verdugos, comenzando a cazar a los "malos", linchándolos y asesinando a los delincuentes. En este contexto se maneja la historia que tiene como protagonista a Ema (una brillante Mercedes Morán), una doctora que acaba de jubilarse forzadamente de un hospital y quien hasta hace unos meses cuidaba a su madre moribunda. El detalle es que Ema ve y habla con los espíritus de los muertos que han sufrido una trágica muerte, una especie de poder que tiene desde que nació y ha aprendido a controlar y vivir con tranquilidad. Cuando recibe la visita de su hermana Lidia (Alejandra Flechner), su esposo Tom (Carlos Portaluppi) y su sobrina Julie (Carolina Sánchez Álvarez), quienes viven en Estados Unidos, descubre que Julie también tiene el mismo ¿talento?. La situación es que sus padres están cansados de esto y en Norteamérica la enviaron a varios colegios y psiquiátricos pero de todos o la expulsaban o se escapaba y ya sin alternativas, decidieron venir a Buenos Aires para internarla y ¿abandonarla? con la excusa de que "por su hija harían lo que fuera", salvo escucharla y creerle que también se puede comunicar con los muertos. Con todo este contexto, las tragedias del barrio continúan sucediendo, hasta que los golpea de cerca y esto desencadena en que toda la gente del barrio, al beber el agua de la canilla, comience también a escuchar a los muertos, lo que comienza a desencadenar una paranoia barrial donde Ema se convierte en una especie de santa/bruja, según quién y cómo la mire. Los cuentos de Mariana Enríquez tienen esa cuota de comedia y en esta miniserie está aplicada brillantemente. Larraín logró captar la esencia a la perfección y, mezclado con sus grandes dotes en el ámbito del terror, han creado un mundo fantasmal pero en el que el miedo proviene de los vivos y de todas las cosas que hemos mencionado como la salud mental, la justicia por mano propia y la desidia por parte de la política, algo que se vive casi día a día en Argentina. [BEST OF 2026 + LETTERBOXD](https://letterboxd.com/redapplezine/list/best-of-2026/?ref=redapplezine.com) ## **CAPA 2 - LA COMEDIA BIEN APLICADA** Lo que hace de "Mis Muertos Tristes" algo espectacular es que no se centra solamente en lo sombrío y, como dije antes, busca explorar también la comedia con chistes y diálogos inteligentes, porque si bien la primera capa es la que vemos, la de terror, atrás de ella y gracias a este género se puede explorar también en la comedia y nada es exagerado. Podemos mirar algo con temor y no temblar de miedo; podemos escuchar un chiste y no reírnos a carcajadas y es cuando, ambas cosas, mezcladas en su justa medida, generan un producto inteligente y fácil de consumir. No pretende ser una serie que nunca quiso ser en esencia y eso es vital: el sello de Enríquez se ve perfectamente y la dirección de Larraín es destacadísima. Ayuda muchísimo que el elenco mencionado, sumado a Dolores Fonzi que hace de Carolina, hija de Ema, tenga un talento descomunal para este tipo de humor aunque jamás los haya visto en algo del género de terror, por lo que fue una grandísima sorpresa el desarrollo de todos. Pero el tema es el siguiente: aunque se maquille de terror, nadie tiene miedo de los fantasmas. Para muchos, es una nueva oportunidad y para otros es el tormento de sus propios males. ## **CAPA 3 - EL CIPAYISMO ABSURDO** La comedia en varios pasajes se centra en el típico estereotipo del cipayo argentino que vive en Estados Unidos y cree que todo es mejor; que la sociedad es más educada, que la policía es más eficaz y que los trabajos allí son diferentes. Ojo, no le digo cipayo a aquel que vive allí, sino al que fehacientemente cree que ese país es mejor. Todo se basa en los prejuicios que hay sobre nuestra propia sociedad y que, probablemente, nosotros mismos inventemos. Desde su llegada, Lidia y Tom (quien en realidad se llama Tomás) demuestran este espíritu, trayendo unas medias compradas en un lugar híper barato pero que, según ellos, son de mejor calidad que las de acá (típico de personas que traen recuerdos de los viajes y aclaran este punto). Y así, muchas cosas más: él alardea que trabaja en una aerolínea pero en realidad hace de mantenimiento en una empresa terciarizada que al final lo termina despidiendo y contratando un mexicano, pero el punto más fuerte es que, en realidad, no tienen dinero para seguir bancando la vida médica de su hija y vienen a Argentina para aprovechar el sistema de salud pública (claro, eso no lo admiten ni se quejan). ![Escena de la miniserie Mis muertos tristes, de Pablo Larraín](https://storage.ghost.io/c/cb/7d/cb7dca38-e0b5-4dfb-9068-d3ec8e2de0ec/content/images/2026/09/mismue3.jpg) ## **CAPA 4 - ANARQUISMO EN LOS BARRIOS** Y este punto es para profundizar un poco más lo anterior porque sí, la historia está llena de fantasmas y espíritus perturbados pero en realidad, los perturbados son los vivos, quienes están constamente en un estado insano de alerta, donde ya nadie es bueno o malo, sino, que todos son el enemigo. El estado ausente, los ladrones, los justicieros, la policía e incluso la empresa de agua que ni siquiera atiende los teléfonos y hacer un trámite con ellos aunque sea de suma gravedad parezca imposible. El verdadero horror es la propia vida, la que muchos estamos viviendo o hemos presenciado; la de ver cómo matan personas todos los días y cómo las autoridades continúan permitiendo esto, pero actuando cuando menos se los necesita. Es una situación tan post apocalíptica que en realidad parece ficción, pero no es más que la dura realidad que están atravesando hace años (y ahora más profundizada), las personas de recursos más escasos, creando sitios de anarquismo total donde nadie parece tener un freno. ## **APARTADO TÉCNICO** Para finalizar quiero escribir sobre algunas cosas que me han llamado mucho la atención de esta adaptación y por un lado es algo que muchos han discutido y renegado y es el uso del color. Bah, mejor dicho, la ausencia de él. Aunque para algunos espectadores sea tomado como algo cansador o casi un error, a mi es un recurso que me gustó muchísimo porque es así como este mundo ¿ficticio? se ve: desaturado, apagado, espectral. Y no es solamente porque sea una serie sobre fantasmas, sino es por cómo muchos estamos viendo el presente desolador, y me parece un recurso maravilloso para retratar los cuentos en pantalla. Además, quisiera hablar del gran trabajo de Pablo Larraín quien, sin ser un director 100% asociado a este género, tiene varios recursos que generan la tensión y drama suficiente en sus producciones, algo que aplico de forma estupenda en "Spencer" (gran película, véanla). Y por último, un detalle no menor: no se siente que sea algo de Netflix. Ustedes entienden a qué me refiero. Esas imágenes que son todas iguales, con la misma música y los mismos guiones; es algo nuevo, más fresco, de una calidad superior (no buena o mala, solo diré superior), y se siente en cada actuación, en cada movimiento de cámara, en cada diálogo y, por supuesto, en cada cuadro. --- ## Sumate a Red Apple Zine Revista digital de cine, música y cultura general con reseñas, entrevistas y editoriales. Suscribite Email sent! Check your inbox to complete your signup. ### Pablo Aparo: "Sé que tengo un hogar en Malvinas" URL: https://www.redapplezine.com/pablo-aparo-se-que-tengo-un-hogar-en-malvinas/ Last updated: 2026-10-11T03:07:12.000Z Hay diferentes formas, por no decir miles, de encarar un documental y por supuesto, diversas formas de ejecutarlo. **Puede ser algo parecido al cine guerrilla o más testimonial y quedarse ahí; bueno, "Los Vencedores" tiene un poco de ambas y sucede nada más y nada menos que en las Islas Malvinas con un argentino siendo protagonista, yendo a vivir allí con los isleños, hablando con ellos y obteniendo muchas respuestas pero también, muchísimas dudas.** Él es Pablo Aparo, director y guionista de esta película y también protagonista de ella, y de este viaje a uno de los lugares que más emociona al pueblo argentino. No fue solo como espectador ni a grabar lo que ya otros grabaron, él quería ir más allá y conocer la parte más rural de las islas. Allí conoció a Matt, el otro gran protagonista de esta historia, donde entablaron una gran amistad aún con las diferencias sobre la soberanía de su hogar. Personalmente, **posiciono a "Los Vencedores" como una de las grandes películas de este año, por su audacia a la hora de contar un tema tan sensible para muchas personas, por la altura con la que se hizo y por supuesto, por la parte técnica.** Una película que nunca busca el golpe bajo ni empatizar con el pueblo británico, pero que sin embargo y sin esas intenciones, logra (bajo mi punto de vista) cerrar un poquito la grieta entre ambos pueblos. Al fin y al cabo, la guerra es una decisión entre políticos y los que sufren las consecuencias son los demás y este filme lo deja bien en claro. [BEST OF 2026 + LETTERBOXD](https://letterboxd.com/redapplezine/list/best-of-2026/?ref=redapplezine.com) Tuvo su estreno en BAFICI27 donde obtuvo cuatro premios: *mejor dirección, Gran Premio Ciudad de Buenos Aires, mejor sonido y película innovación*. Además pasó por los festivales *Marché Du Film, Locarno y el Festival Internacional de Perú*. Y ahora tendrá su gran estreno en salas: **Fecha de estreno - Salas** Malba Cine - 5 de septiembre Cine Arte Cacodelphia - 6 de septiembre Cine El Cairo - Rosario: desde el 10 de septiembre Cineclub Municipal "Hugo del Carril" - Córdoba: desde el 17 de septiembre ![Imagen del documental Los Vencedores, de Pablo Aparo, sobre las Islas Malvinas](https://storage.ghost.io/c/cb/7d/cb7dca38-e0b5-4dfb-9068-d3ec8e2de0ec/content/images/2026/09/Pol1.jpg) ### ¿Cómo surge la idea de hacer este documental? ¿Qué te impulsa a hacerlo? Bueno, Los Vencedores es un poco una mezcla de cosas. Yo siempre tuve una cierta inquietud por conocer las islas, por saber qué pasa ahí. Siempre sentí que nos las mostraron ,o las conocimos, como un lugar gris, vacío, inhóspito, lleno de pingüinos: un lugar inaccesible, que no te dan ganas de visitar. **Y también estaba esta idea de los kelpers como una especie de seres casi espectrales, perdidos en un lugar remoto.** Eso lo sentía de chico. Después, yo había trabajado en mis dos películas anteriores con pequeñas comunidades de acá, del interior de Buenos Aires, nada que ver con esto. Fui a estrenar El Espanto en un festival en Sheffield, al norte de Inglaterra, y ahí fui también a ver qué le pasaba a gente de otro país, que no tenía nada que ver culturalmente con nosotros, con ese tipo de películas. Y la verdad es que la gente salió haciendo preguntas, hubo muy buena repercusión, y un productor de Channel 4 —un canal de allá— me dijo que le encantaría hacer algo parecido para la tele inglesa, y me comentó que había muchos pueblos allá iguales al que yo había retratado en Buenos Aires. Eso me sorprendió mucho, porque yo pensaba que no tenían nada que ver. Ahí tuve una pequeña epifanía: **¿qué tenemos en común con las islas, con esa gente que vive ahí?** ### Hablás de tu recuerdo de Malvinas, ¿con qué Malvinas creciste vos? Yo crecí con esa Malvinas de todos: la Malvinas de "son nuestras", la que te presentan entendiendo también la estrategia argentina de no darle voz a los isleños, porque serían una voz más en la discusión y no tendrían que tener ese valor. **Porque si fueran tres personas y dos dicen que no, ya está: el asunto está resuelto, y esto suma uno.** Pero sí, fui con mucha curiosidad. Ni siquiera te digo yendo para allá, sino investigando: ya desde ahí me di cuenta de que esto era mucho más complejo de lo que parecía, en muchos sentidos. **Empecé a estudiar cuestiones de colonialismo, de soberanía, un montón de cosas. Yo no soy experto en derecho internacional, no soy historiador, no tengo nada de eso.** Yo hago cine, y me armé de cierto bagaje para tener una base histórica y no ser un burro, para conocer un poco el tema. Pero no soy un especialista. Entonces, a medida que investigaba, iba viendo que no está clara una cosa, no está clara la otra, quién tiene razón. **Lo que sí tengo clarísimo, y sigo teniendo clarísimo, es que no comparto que sea un enclave militar británico en suelo argentino: ahí estoy totalmente convencido.** Lo que sí me genera cierta contradicción, conociéndolos a ellos, es la incertidumbre de si, si ellos quisieran ser independientes, se lo merecen o no. Porque, bueno, el que nació ahí lleva ocho generaciones. También comprendí, leyendo a algunos filósofos o sociólogos, que todos vivimos en tierra robada a alguien en algún momento: por más que hayas comprado o alquilado tu departamento, esa tierra alguna vez fue de otro. Mientras en 1833 los ingleses tomaban las islas, cuarenta años después nosotros estábamos conquistando el desierto, la Patagonia. Ahí hay toda una serie de contradicciones. O pensemos en los pueblos originarios que reclaman tierras y les decimos que no. Obviamente no es lo mismo todo, y siempre está la lucha antiimperialista, que es otra lucha. Pero yo no sé cómo nos vería un pueblo originario cuando lo estaban conquistando, si eso no era imperialismo también. Todo eso me genera, más que certezas, preguntas. **Y digo: che, es más complejo el asunto, hablemos de todo esto, no lo dejemos tirado.** ### Creo que ahí es donde acertás con la palabra: Malvinas en general es contradictorio para mucha gente, por lo que decís del colonialismo. Es más fácil quedarse con este relato de "el enemigo" y no hablar más del tema. Sí, hay algo que dije varias veces: **hablando de contradicciones, para mí es contradictorio, o al menos hay que revisarlo, tener tatuadas las Malvinas y después ir a votar a Milei.** Si hablamos de soberanía, él es de las personas que más está entregando al país. Entonces, diga lo que diga sobre Malvinas, piense lo que piense, apoyarlo es lo mismo que apoyar a alguien que te está haciendo perder soberanía en todo sentido: soberanía cultural, soberanía de los recursos, soberanía territorial. Esas reflexiones son las que me hicieron pensar mucho, y por eso la película fue cambiando y mutando según lo que iba pasando en el contexto. La película empezó con un gobierno y terminó dos gobiernos después: en el medio pasaron un montón de cosas, y eso también fue ajustando mi percepción de qué mostrar y qué no, desde dónde mostrarlo, cómo intervenía yo en esas cosas. Porque cualquier cosa que uno corriera un poco se acercaba más a un lado que al otro, y mi intención no era esa. Por eso era importante cuidarlo mucho, y por eso fueron tantos años de proceso. ### Vencedores, ¿quiénes son Los Vencedores? Obviamente es un título bastante provocador. En los papeles, al final, los vencedores son ellos, porque la disputa era por el control de las islas, y lo tienen ellos. **Pero traigo algo que me dijeron, que es muy polémico pero muy interesante para analizar: obviamente en una guerra no gana nadie, pero se puede decir que en esta guerra ganaron tres partes. Gran Bretaña, porque Margaret Thatcher, que estaba en el gobierno en ese momento, pudo quedarse más tiempo en el poder. Los isleños, porque los pusieron en el mapa y son lo que son hoy en día. Y Argentina, porque terminó la dictadura militar.** No sé, son cosas que dicen. Pero para mí lo más polémico es decir que Gran Bretaña ganó porque a Thatcher le sirvió. Después, que los isleños entraron en el mapa así, y que a nosotros nos terminó la dictadura, eso hace pensar qué hubiera pasado si no. Por ahí hubiera sido más tiempo con "el amigo borracho". Es provocativo, para ver qué piensa la gente, un poco provocador, y que cada uno piense también quién es el ganador. ![Imagen del documental Los Vencedores, de Pablo Aparo, sobre las Islas Malvinas](https://storage.ghost.io/c/cb/7d/cb7dca38-e0b5-4dfb-9068-d3ec8e2de0ec/content/images/2026/09/vencedores2-1.jpg) ### ¿Te quedó mucho material afuera? ¿Sentís que podrías haber puesto algo más? El primer timeline que armé duraba unas ocho o diez horas: era todo el material que me interesaba que estuviera. Lo vimos con la montajista y dijimos: está espectacular, es una buena película, pero no es la película, es imposible. Después hicimos un filtrado muy grande, y quedó una versión, el año pasado, de dos horas y media, que igual tenía cosas que no sentía del todo propias. Más que nada, la depuración fue tratar de encontrar mi propia voz en la película. **Lo que sí estoy pensando seriamente, cuando tenga tiempo, con la cabeza más tranquila después del estreno, es buscar la manera de que todo ese material le llegue a la gente de alguna forma.** Estaba pensando en hacer las desgrabaciones de las entrevistas y publicarlas en algún lado, porque me parece que dicen cosas muy interesantes, en muchos sentidos. Hay entrevistas que te hacen entender un poco más ciertas cosas, cosas que vas a odiar también, pero está bueno entenderlas. ### Y en festivales, que sé que fue muy bien recibida, ¿pero a vos personalmente se te acercó alguien y te dijo "che, esto es increíble"? ¿Qué le pareció a la gente, o a la crítica? Bueno, tenía mucha duda con Locarno, sobre todo porque ya sabía cómo iba a ser en Perú, y después me enteré de que también iba a Locarno. **En Perú pasó lo que me imaginaba: hay un conocimiento más profundo, sabiendo el apoyo que dio Perú a Argentina en la guerra —son de los primeros en levantar la mano y decir "las Malvinas son argentinas"—.** Pero en Locarno tenía la duda de qué le iba a pasar a gente que no conoce nada del tema, y que con apenas unas placas al principio tiene que entender todo. Lo que me quedo es que, además de que vino mucha gente y se llenó la sala, hubo muy buenas preguntas y respuestas. Con los pocos con los que pude hablar afuera, que se me acercaban a decirme algo, yo les preguntaba: **"¿te dan ganas de seguir investigando un poco más?"**, y me decían que sí, que iban a googlear en casa. Eso para mí fue interesante, porque obviamente la película no te deja todo resuelto: no es una película que te dice "bueno, así es, andá por acá", y te cuenta "la verdad" de las islas, como puede ser cualquier documental más de divulgación. Esa era mi duda: si a la gente le copaba seguir investigando después, y la verdad que me dijeron que sí. Con eso me quedo, está buenísimo, me pone orgulloso. ## Para este documental, Pablo nunca fue de incógnito: todos sabían bien lo que estaba haciendo y a algunos les gustó más y a otros menos. Ahí también aparece la figura de Matt, un isleño que viene de generaciones de familiares viviendo allí, mucho antes de la guerra contra Argentina. Poco a poco, Aparo encontró el tono del documental y también la decisión de aparecer en cámara. ### ¿Tuviste miedo o vértigo a la hora de que el público lo vea? Sí, por mucho tiempo, hasta lograr esta seguridad con el material y con la película tal como terminó siendo, la pasé bastante mal. Mal en mi cabeza, no porque nadie la hubiera visto —la había visto poca gente, y allá con ellos todo estuvo bien—, sino que me costó encontrar la fineza, encontrar mi voz en la película, que fue lo más difícil. Al principio pensé una película más parecida a "El Espanto", "La Gente del Río": con una especie de omnisciencia, la presencia de un narrador, digamos, gente frente a cámara pero sin mucha voz propia mía. Pensaba en eso, y hablando con la montajista, con Flor, en un momento me dijo: **"vos tenés que aparecer, busquemos la manera de que aparezcas de una forma u otra"**. Ahí empecé a pensar: bueno, yo soy el que pregunta, tengo que estar en las preguntas, ¿cómo meto eso? Y encontrar ese personaje mío también: en qué momento tiene que ser incisivo, en qué momento permisivo o de más escucha, en qué momento discutir con Matt, sobre qué temas. Todo eso fue un proceso de mucha prueba y error, y de bastante angustia. Lo que pasaba también es que no era que se me ocurría una idea y podía ir y volver a filmar, y acomodar eso: no. Tuve dos viajes y listo, no podía volver de nuevo. Y también estaba bien que no fuera así, porque ya era un montón. El material era el que era, y había que arreglárselas con eso para transmitir o retratar lo que yo sentí y lo que fui cambiando en el proceso. Se cuenta como si fuera un solo viaje, pero fueron tres viajes, con cuestiones muy distintas y sensaciones bastante tremendas. ![El tan mencionado Matt, el isleño más "anti-" y "peligroso"](https://storage.ghost.io/c/cb/7d/cb7dca38-e0b5-4dfb-9068-d3ec8e2de0ec/content/images/2026/09/vencedores3-1.jpg) El tan mencionado Matt, el isleño más "anti-" y "peligroso" ### La llegada de Matt: ¿ya sabías que era así él, o la intención del documental fue buscar ese lado gracioso? Porque tiene bastantes momentos cómicos, pero por su personalidad, no porque la intención fuera hacer un documental gracioso. A ver, voy por partes. **Yo me conecto mucho con el humor.** Creo que el humor destraba algo que a mí me sirve mucho, y que siento muy mío: podría ser una película sin humor y funcionar igual, pero está, y siento que es porque los británicos son graciosos y algo que admiro bastante es que se cargan entre ellos todo el tiempo: se dejan molestar por los demás y dicen "sí, es verdad", hay algo muy natural y autocrítico ahí que me encanta. Otras cosas no tanto, pero eso sí. **Con Matt partimos un poco de ahí, del humor, y creo que lo que más lo sorprendió, y por eso le caí bien, fue que yo no me guardaba nada: él me chicaneaba y yo se lo devolvía.** No era una relación de puro respeto solemne: a las primeras horas quizás sí, pero después de dos tragos, él me decía algo y yo se lo devolvía. Si él me hacía una broma de Argentina, yo tenía una de Malvinas. Y creo que eso destrabó algo tenso que podía haber de entrada, porque yo no me guardaba nada: entraba pensando "estoy acá, que no me va a pasar nada". Bueno, algo podía pasarme, pero digo, ya estaba el kamikaze puesto ahí. ### Siento que si un entrevistador o documentalista se acerca con mucha seriedad, pensando en una película distinta, no le saca el jugo que le sacaste vos a Matt o a cualquiera de los entrevistados. Ahí hay mucho valor tuyo en las preguntas: cuando alguien te dice "no, las Malvinas son nuestras", vos respondés con altura, sin enojo, y se genera un ida y vuelta. Ahí está el valor de la película, para mí. Sí, mi idea era complejizarlo, y complejizarlo con ellos también, de una forma u otra. Creo que a veces solo con escuchar, o con hacer una pregunta y después una repregunta más profunda de lo que la persona pensaba, ya se generaba algo más complejo. **En algunas entrevistas no hubo humor, o hubo muy poco, pero sí hubo una profundidad muy grande. Me han dicho, al menos, que me contaron cosas que no le contaban a nadie. Matt me dijo que se enteró de cosas sobre lo que le había pasado a su padre porque están en la película, pero que nunca las había hablado directamente con él.** Eso también es muy británico, muy nórdico: esa frialdad con los propios familiares. O este otro amigo, con el que hablo de fútbol y de Messi, me contó que un día abrazó a su papá, porque tiene una novia chilena, y fue a verlo, y su papá le dijo "eso no lo hacemos nosotros". Algo muy frío, muy claro, y Matt quería que le cayera alguien que le cambiara un poco eso, que al menos le preguntara desde otro lugar. Yo no podía entenderlo. Después hubo algunos casos donde me metí porque me dejaban filmar en lugares, en conmemoraciones o cosas así, que entiendo que pueden ser muy sensibles para algunas personas, y ahí había gente que no le cabía nada. Pero yo, con respeto: si me decían que no filmara, no filmaba. No me metía donde no me correspondía. Hubo códigos, siempre hubo códigos. ### Y aparte, como ya dijiste, todos sabían que estabas filmando, no es que caíste de sorpresa con una cámara. Eso también es importante. No, y al final, hay una escena que quedó, la de unos chicos que me saludan desde lejos jugando al fútbol. Eso pasó, creo, al final del segundo viaje: yo estaba filmando ahí, unos chicos me saludaron de la nada, y fue como "bueno, ya me conocen todos, buena onda". **Algo se destrabó ahí, ya había pasado esa barrera.** ![Imagen del documental Los Vencedores, de Pablo Aparo, sobre las Islas Malvinas](https://storage.ghost.io/c/cb/7d/cb7dca38-e0b5-4dfb-9068-d3ec8e2de0ec/content/images/2026/09/vencedores1.jpg) ## "Los Vencedores" tiene grandes testimonios de los isleños que, aunque uno tenga la imagen errada en la cabeza de que están apartados del mundo y que odian al argentino, la película constantemente lo refuta. Hay incluso, palabras de personas que estuvieron el día del desembarco argentino en 1982 y que fueron tomadas como rehenes y claro, empezás a entender un punto: ellos (ni los pibes de 16 años yendo a una guerra) tenían la culpa de todo lo que estaba sucediendo y el miedo comienza a correr por la sangre. ### Algo que me sorprendió mucho de la película es la parte humana en la que los isleños hablan de la dictadura con miedo de que se los lleven a ellos, y después el papá de Matt pregunta por el presidente actual. Están totalmente informados de todo lo que sucede acá, y de algún modo empatizamos por los mismos miedos. Puede ser. No sé si tanto en todo, pero calculo que sí. En cuanto a la dictadura, creo que todos coinciden en que fue algo terrible —aunque también hay gente en Argentina que no coincide con eso, que sigue pensando que la derecha estuvo bien—. Pero al menos con la gente con la que hablé, y con mi forma de pensar, eso fue una sorpresa para mí, una sorpresa que en realidad no debería haber sido tal, porque era algo obvio que estaba pasando. Cuando me cuentan el miedo que tenían a la dictadura, más que nada, es porque, aunque no fueran comunistas ni peronistas de izquierda, eran disidentes. **Si acá mataban a la gente, ellos tenían miedo directamente de los vuelos de la muerte: sabían bastante, tenían miedo de que los subieran a un Hércules y los tiraran al mar.** Hubo uno que me contó algo que no quedó en la película porque no estaba bien formulado, pero me dijo que él estuvo el 24 de marzo del 76 en Buenos Aires, vio los tanques en la calle, y después, en el 82, vio los mismos tanques en la puerta de su casa. O**bvio que tenía miedo con todo eso. Están informados, sobre todo los más grandes, los que vivieron la guerra o siguen politizados.** Pero hay una juventud que está más tranquila, más pensando en lo suyo, más abierta a los argentinos. Creo que las islas se fueron latinizando después de la guerra, con mucha población chilena. Hay algo ahí: consumen música argentina. Yo fui a fiestas donde se escuchaba cumbia villera y no lo podía creer, se armaban ahí y bailaban. Eso me sorprendió mucho, porque hay muchos chilenos. Creo que los jóvenes están más tranquilos, no ven una amenaza latente como sí la siguen viendo los más grandes, que sienten que, como ya pasó una vez, podría volver a pasar. Por eso necesitan sentirse seguros todo el tiempo. **Y lo de Milei es algo que trasciende:** más allá de esto, estuve ahora en festivales, en otros países, y todo el mundo te habla de Milei. Es increíble, te preguntan cómo estamos, como que está loco. ![Pablo almorzando con Matt y su pareja en su casa rural de las Malvinas (cortesía Pablo Aparo)](https://storage.ghost.io/c/cb/7d/cb7dca38-e0b5-4dfb-9068-d3ec8e2de0ec/content/images/2026/09/pol2.jpg) Pablo almorzando con Matt y su pareja en su casa rural de las Malvinas (cortesía Pablo Aparo) ### Yo tuve miedo de algo que seguramente vos también tuviste: ¿sentiste que alguien lo podía malinterpretar y que te podían tildar de antiargentino? Sí, obvio, para mí siempre fue una búsqueda de la medida justa entre lo que se podía poner y lo que no, lo que iba a quedar. **Sé que a alguien le va a caer mal esta película, lo comprendo. Quizás le caiga mal el contenido, o yo por haberla hecho, o ellos por ser quienes son. Hay mucha rareza en esto, pero la película ya está ahí, y creo que habla por sí sola.** Lo que le genere a cada uno es válido, y también entra en juego el ojo de cada uno. Hasta ahora estuvo bien: en el estreno más general, en el BAFICI, alguien me dijo que se notaba claramente que yo me cuestionaba mi argentinidad. Y yo le dije: puede ser, es válido que pienses eso, no pasa nada, pero la verdad es que yo nunca me cuestioné mi argentinidad. **Fui ahí, no con la bandera, pero sí con mi bandera interna de que soy argentino: siempre fue sincero lo que quería hacer.** ### ¿Sabés si algún veterano de Argentina vio la película? ¿Se contactó alguien con vos? La verdad es que es algo que queremos cuidar mucho, no es algo que vayamos a promover: creo que la película está ahí, y es muy sensible para la gente, más para los veteranos, obviamente. Allá sí tuve contacto con veteranos, por los viajes: conocí a varios. **De hecho, filmamos a un isleño que es amigo cercano de un veterano, y se llevan muy bien aunque estén en las antípodas en el tema de la soberanía. Me dijeron: "no hablamos de política y somos amigos, y son amigos"**. Filmé esa parte y decidí sacarla para cuidarlo, porque el propio excombatiente me pidió que tuviera cuidado con lo que ponía, para que no lo "hateen" por un lado ni por el otro; ya habían tenido una experiencia rara antes. Le dije que no había problema. Creo que el honor que les tenemos a ellos pasa por lo que cuentan los propios isleños sobre lo que les pasó: eso me parece lo más importante, lo más revelador, lo nuevo. Ojalá que si lo ven, les caiga bien; si les cae mal, también lo entendería. Por eso no es algo que vaya a mostrar en un centro de excombatientes, porque quizás eso implique provocar cosas que no busco. Que fluya solo: si en algún momento hay una apertura y quieren verla, me encantaría hablar con ellos también. No es algo que tenga negado, al revés: prefiero que la iniciativa venga de ellos antes que imponerla yo. Que pase lo que tenga que pasar, y ojalá que si llega, esté ahí para hablar, para conversar, lo que sea. ### ¿Sentís que la película, o la historia que intentás contar, puede cerrar aunque sea un poquito una grieta? ¿O sanar viejas heridas? Ojalá. **Te puedo contar lo que me pasó a mí: lo que siento ahora, después de hacer la película, es que tengo un hogar en las islas. Y eso para mí es algo increíble.** No sé si sana algo puntual, pero es el lugar donde menos se le ocurriría a un argentino que podría tener una casa para vivir, y resulta que es en las islas. Tengo un lugar adonde caer, varios lugares donde podría ir a vivir si quisiera: no vivir ahí, pero sí quedarme, estoy invitado. Eso para mí está buenísimo, es algo que va más allá de lo pensado. **No sé si la película va a sanar alguna herida, pero quizás algo más sensorial: poder conocer las islas desde otro lugar.** Hay mucha gente que quiere conocerlas y no puede, por muchos motivos. El hecho de conocerlas de otra manera puede estar bueno. Tampoco sé si algo de lo que cuentan ellos sobre lo que pasó en la guerra con los conscriptos puede, al menos, decirle a alguien que hay gente que los comprende, que lo vio, que lo sabe de primera mano, y que eso puede generar algún tipo de identificación. No la hice para eso, pero si pasa, sería espectacular. ### La última, ya para cerrar: ¿las Malvinas son argentinas? Deberían serlo, como muchas otras cosas también, pero bueno. --- ## Sumate a Red Apple Zine Revista digital de cine, música y cultura general con reseñas, entrevistas y editoriales. Suscribite Email sent! Check your inbox to complete your signup. ### Blue Heron y los recuerdos fallidos URL: https://www.redapplezine.com/blue-heron-resena/ Last updated: 2026-10-11T03:06:57.000Z ¿Qué es verdad y qué mentira cuando ni nuestros propios recuerdos son del todo precisos? Y la pregunta es aún mayor, ¿qué es realmente lo que recordamos y desde cuándo? **Vos, lector, hacé ese juego: tratá de recordar tu infancia, tus primeras memorias, los juegos... ¿están ahí las conversaciones de tus padres? ¿o de algún adulto?** Probablemente sí, pero nuestro foco no estaba puesto en entender eso pero sí en jugar, en ser libres y no pensar en nada. Este ejercicio es importante de hacer para entender algunas películas y sus puntos de vista, ya que mucha gente piensa ciertos filmes de forma equívoca: con la lucidez de un adulto. Por eso, en "Blue Heron" es importantísimo que entendamos esto, en cómo la memoria es un laberinto de espejos del que cuánto más nos apuramos para encontrar una salida, más nos cuesta. [BEST OF 2026 + LETTERBOXD](https://letterboxd.com/redapplezine/list/best-of-2026/?ref=redapplezine.com) Sophy Romvari es una cineasta canadiense de origen húngaro y estrenó su primer largometraje, "Blue Heron", filme aclamado por la crítica en su paso por festivales (ganando varios premios en ese recorrido) y amada por los espectadores. Y no es para menos: **estamos ante una de las grandísimas obras de este año y posiblemente, uno de los descubrimientos más importantes también.** Porque, y a pesar de, basar sus memorias para armar su primer largo (como tantos otros directorxs independientes), Romvari le añade una reconstrucción no lineal de sus memorias e incluso se anima deformarlas, aprovechando el cine al máximo y usarlo como medio para esta reconstrucción de su propia experiencia, en busca de respuestas a problemas que la vida adulta trae consigo mismo. ![Escena de Blue Heron, de Sophy Romvari](https://storage.ghost.io/c/cb/7d/cb7dca38-e0b5-4dfb-9068-d3ec8e2de0ec/content/images/2026/08/blue2.jpg) ## Primero lo primero, ¿de qué trata la cinta? Sasha es nuestra pequeña protagonista (interpretada por Eylul Guven) y a través de ella es que vemos esta historia: forma parte de una familia numerosa conformada por dos padres y tres hermanos, quienes se mudan de ciudad en ciudad pero nosotros vemos su llegada a Vancouver al final de la década del 90\. El problema por el cual viven una vida nómade no tarda en revelarse: Jeremy (Edik Beddoes), hijo mayor de la familia (y de un matrimonio anterior de la madre), tiene grandes y severos problemas de salud mental que lo llevan a meterse en diferentes altercados. Problemas que atraviesan lo ajeno y advierten una gran amenaza para el matrimonio de mamá (Iringó Réti) y papá (Ádám Tompa), quienes discuten en silencio (o al menos, alejados de sus hijos) y no saben qué más hacer. **Recuerden nuevamente que toda esta situación la vemos a través de los inocentes ojos de Sasha, quien tiene 8 años.** Pero estamos ante una premisa simple, que ya se ha explorado anteriormente en películas coming-of-age o dramáticas de este estilo, siendo quizás "Aftersun" el caso de éxito más reciente en el que una directora y su ópera prima basada en sus propios recuerdos sea aclamada por todos. **Y claro, porque la genialidad de "Blue Heron" erradica en otro punto: el cómo está contado todo y cómo son plasmados los recuerdos.** Como dije anteriormente, la gran parte de la película muestra la dinámica de la pequeña niña y su familia, cómo ella veía y escuchaba todo; también con las memorias de la filmadora o cámara que el padre utilizaba. Pero en el tercer acto viene algo que rompe con los estereotipos y que es uno de los grandes usos del cine para trasladar todo esto: vemos a Sasha adulta (Amy Zimmer), quien ahora es una directora de cine e investiga la propia vida de su hermano Jeremy, para seguir los pasos a la inversa y entender qué sucedía allí. **No es el salto de línea temporal en sí lo que hace de este filme una completa hermosura, sino que la Sasha del presente (la adulta), interactúa con la Sasha de 8 años y sus propios padres, haciéndoles preguntas, visitando a sus hermanos y dejándose un pequeño consejo al oído que, por supuesto, nosotros no escuchamos.** Y también, pasando tiempo una vez más con su hermano Jeremy, entre risas y momento de calidad. Este detalle de intentar reconstruir su propia memoria a través de esta cinta, es de un calibre emocional y direccional fenomenal. ![Escena de Blue Heron, de Sophy Romvari](https://storage.ghost.io/c/cb/7d/cb7dca38-e0b5-4dfb-9068-d3ec8e2de0ec/content/images/2026/08/blue3.jpg) ## Las respuestas no siempre aparecen Lo que más me termina impactando de "Blue Heron" es cómo recordamos lo que recordamos: los momentos, las personas, los lugares; detalles que nos hacen viajar en el tiempo. Esos recuerdos siempre estarán con nosotros, sean buenos, malos o regulares y vivirán con nosotros hasta el último día. Pero muchas veces vivimos de la frustración de intentar entender las decisiones del pasado (propias o ajenas) y nos terminamos ahogando en un mar de nostalgia, rompiéndonos la cabeza tratando de reconstruir algo que ya no podrá armarse. Abrazar el presente es vital para que estemos serenos y podamos vivir en paz porque, y a muy pesar, las personas no cambiarán. En esta línea de tiempo, estarán o no entre nosotros, pero lo que conocimos, lo que vivimos, seguirá estando allí y no podrá cambiarse. **Por suerte tenemos el cine como herramienta de fantasía y de medicina para curar las heridas que nos han quedado** y la catarsis de hacer o consumir películas siempre será la herramienta necesaria para atravesar el trago amargo de este mal momento. Gracias Romvari por tan hermosa lección. --- ## Sumate a Red Apple Zine Revista digital de cine, música y cultura general con reseñas, entrevistas y editoriales. Suscribite Email sent! Check your inbox to complete your signup. ### Power Ballad: ¿qué significa una canción? URL: https://www.redapplezine.com/power-ballad-que-significa-una-cancion/ Last updated: 2026-10-11T03:06:57.000Z Casi 20 años separan "Once" de "Power Ballad" y en el medio de estas dos décadas existen las afamadas "Begin Again", "Sing Street" y "Flora and Son". Claro, es una lista de los filmes más populares y aclamados por la crítica y el público del queridísimo John Carney. Pero no es solo esto, **existe una enorme conexión entre todas ellas y es la fórmula que al director irlandés le ha funcionado tan bien: combinar la música con los vínculos humanos, ya sean por amor, amistad o lazos familiares.** Y aunque suene una combinación repetitiva en los papeles, lo que hace el cineasta siempre funciona y este último estreno no es la excepción. En "Power Ballad" seguimos a Rick (Paul Rudd), el líder de una banda que toca en casamientos. Un tipo de familia con un pasado más "exitoso" según términos artísticos que el mismo adopta, ya que formaba parte de una banda exitosa que terminó abandonando en cierto punto de su vida. Por otro lado tenemos a Danny Wilson (Nick Jonas), quien hace las veces de esta especie de reflejo juvenil de Rick: un artista sumamente exitoso pero que hace un tiempo no puede conseguir un gran éxito. P**or supuesto sabemos perfectamente a dónde se dirige el filme y tras una noche de ambos juntos, compartiendo unas cervezas, sus secretos más íntimos y zapando por horas, el veterano le canta una pequeña canción que había escrito pero jamás terminado.** Seis meses después, Danny Wilson vuelve a pegarla: *"How to Write a Song (Without You)"* es un hit mundial y lo posiciona como el cantante más escuchado de todo el mundo. Y claro, esa canción es en realidad la obra sin terminar de Rick. Con este plot en mente, la película se mueve con un objetivo claro y es que ambos protagonistas vuelvan a encontrarse para que se encuentre una explicación de por qué uno le robó una canción al otro y lo traicionó, aún cuando habían pasado una gran noche de amistad juntos. Por un lado, Rick no encuentra ninguna prueba de que la haya escrito él y por el otro Danny, apañado por su representante, se hace el desentendido. **Pero "Power Ballad" es una grandísima película y no precisamente por la premisa principal que, a decir verdad, se siente muy predecible. Lo es porque Carney hace algo tan maravilloso como natural en todas sus cintas y es retratar la música como un personaje que llega para unir y para demostrar las emociones más ocultas.** > **\-¿De quién habla?** > **\-De la misma chica de todas las canciones.** El gran valor de la filmografía musical de John Carney yace en otro lado más que en el plot principal. Si hacemos un breve repaso por las que mencioné en el primer párrafo, en todas más o menos podemos imaginar qué sucede con sus personajes y cómo se desarrolla todo, pero lo que hace brillar al director irlandés es cómo conecta a sus protagonistas y siempre lo hace mediante la música, uniendo personas que están un tanto perdidas o desconectadas de sus vidas, tratando de conectar con otros. En todos los escenarios, las canciones son fundamentales para sanar viejas heridas y reconstruir vínculos rotos y, por supuesto, "Power Ballad" no es la excepción. **En su reciente estreno la problemática principal gira en torno a una canción robada (tal y cómo indica su título en español "Letras Robadas" :) ) pero lo que verdaderamente importa es lo que significa esa balada: en el primer encuentro entre Rick y Danny, entre zapadas y charlas, hablan sobre en quién piensan cuando escriben.** El veterano confiesa que habla de la misma chica en todas las canciones, mientras que el joven piensa en Marcia, su novia actual de la cuál está enamorado. Cuando la estrella pop se roba las estrofas, lo hace pensando y cantándola como una canción de amor hacia una pareja y el mundo entero así lo interpreta, excepto el autor original. ![Escena de Power Ballad, de John Carney](https://storage.ghost.io/c/cb/7d/cb7dca38-e0b5-4dfb-9068-d3ec8e2de0ec/content/images/2026/08/power1.jpg) El personaje de Paul Rudd persigue durante toda la cinta al de Nick Jonas en busca de una respuesta o de algún tipo de crédito, pero termina encontrando algo más valioso: **que la verdad está con él y eso no se lo puede sacar nadie.** Porque la verdad detrás de "How to Write a Song (Without You)" es que la escribió pensando en su hija de dos años, cuando se moría de miedo de todo lo que podía pasar. **La chica de la que habla en todas sus canciones es Aja, su ahora hija adolescente, un amor y un sentimiento que Danny aún no ha experimentado y esto**, al fin y al cabo, reconforta al veterano cantautor, haciendo las paces consigo mismo y dejando atrás el veneno de no saber si haber abandonado su banda por su familia era la decisión correcta. Hace las paces con su propia vida, siguiendo adelante. > **"Bueno, eso es lo que puede hacer una buena canción, ¿no? Tiene la capacidad de significar cosas muy distintas para personas muy diferentes"** Así concluye el filme, con una presentación más en una boda con la banda de Paul Rudd, hablándoles a los jóvenes que se casan. Termina con esa poderosa frase que se puede extrapolar a cualquier tipo de arte en esta vida: **la música, las películas, las pinturas o lo que se te ocurra puede significar cosas muy diferentes para cada uno y pegarles en un costado diferente**. *En mi caso*, no pensaba que esta cinta me gustara tanto, pero tengo un pequeño hijo de solo un mes y a mí, a mis 32 años y en esta situación, me golpea donde más duele: en los miedos más profundos, algo que hace 5 o 10 años probablemente no fuera así. **¿Está mejor una posición que otra? ¿Hay algo que esté bien o mal?** No, en absoluto. Cada uno puede decidir qué y cómo consumir arte y cada quién tendrá un motivo por el cual lo hace. [BEST OF 2026 + LETTERBOXD](https://letterboxd.com/redapplezine/list/best-of-2026/?ref=redapplezine.com) --- ## Sumate a Red Apple Zine Revista digital de cine, música y cultura general con reseñas, entrevistas y editoriales. Suscribite Email sent! Check your inbox to complete your signup. ### The Invite: espejos y ventanas URL: https://www.redapplezine.com/the-invite-espejos-y-ventanas/ Last updated: 2026-10-11T03:06:58.000Z Siempre existe un desafío enorme cuando se encara una película que se asemeja a una obra de teatro (en este caso, basada en una). **Las dimensiones, las actuaciones, la duración, lo que se dice y lo que no; son muchos elementos que pueden hacer una grandísima historia o dinamitarla,** destruyendo todo a su paso. Creo que en un film de estas proporciones, si alguno de estos puntos falla, funciona como un eslabón de una cadena que se rompe: grandes nombres de cintas en una sola locación son "12 Angry Men", "Locke". "Rope" o "Persona", por solo nombrar alguno de los nombres más reconocidos en esta lista. Por supuesto, estamos hablando de maestros de la cinematografía como lo fueron Lumet, Hitchcock o Bergman y no exagero que, puntualmente a esta lista, habría que agregar "The Invite" de Olivia Wilde, una cinta que sabe cómo manejar los tiempos y las emociones con una maestría absoluta, tanto en diálogos punzantes como en la narrativa del departamento mismo donde transcurre la historia. **Capas de humor, incomodidad y dramatismo envuelven una de las mejores películas de este año y sin lugar a dudas, la mejor de Wilde (tanto en dirección como actuación).** ![Escena de The Invite, de Olivia Wilde](https://storage.ghost.io/c/cb/7d/cb7dca38-e0b5-4dfb-9068-d3ec8e2de0ec/content/images/2026/08/theinvite3-2.png) ## ¿DE QUÉ VA? "The Invite" abre con un pequeño prólogo musical, donde escuchamos la reconocible voz y risa de Seth Rogen junto con Olivia Wilde. Ambos la están pasando bien y se entiende que él le está enseñando a tocar en el piano (I'm) Confessin' (that I Love You), una canción estándar del jazz, parecida a la versión de Telonius Monk. La película abre con sus créditos con esto de fondo para cortar e ir a la actualidad: Joe (Rogen) vuelve de su trabajo dando clases de música, con una cara de pocos amigos apretado en un tren para llegar a su casa donde vive junto con su esposa Angela (Wilde) y en pocos minutos se nos da a conocer que su hija no está en su casa. **Apenas llegado también nos damos cuenta que es un matrimonio desgastado, que camina sobre hielo; apenas se toleran y cualquier cosa es un motivo para que una bomba detone.** Entre discusiones, ella le "recuerda" que esa misma noche vendrán de visita sus vecinos a los que Angela admira pero Joe, por alguna razón, los detesta pero ya es muy tarde para cancelar la cena. Tras unos minutos, los invitados entran en escena: Piña (Penélope Cruz) y Hawk (Edward Norton), una pareja que lleva casi un año saliendo. Ella es terapeuta y él un bombero retirado; ella había roto una relación hace un tiempo y él confiesa ser viudo. **Entre ambas parejas vemos un abismo de pasión; por un lado, la típica pareja casada y aburrida que dejó de tener sexo hace tiempo, peleándose por poco y olvidando casi lo que los unió, mientras que en la otra vereda tenemos a dos personas que molestan a sus vecinos por los orgasmos a los gritos que Piña tiene.** Por supuesto, este contraste trae consigo momentos de mucha risa y momentos tensos, donde cada uno comienza a demostrar su verdadero ser, donde los "trapitos salen a la luz" y promete desencadenar una ruptura o la sanación eterna. Y en determinado punto de la puesta en escena, Piña y Hawk revelan que en realidad hacen fiestas sexuales con hasta 6 personas, admitiendo que jamás en la vida habían sido tan felices y le proponen a los rígidos Joe y Angela unirse esa misma noche, propuesta que aceptan con entusiasmo pero con muchísimo vértigo. **A partir de esto, todo empieza a irse por las ramas y todo terminará cómo empezó: con Joe y Angela tocando (I'm) Confessin' (that I Love You). ¿Una pareja que se salvó o que se dice adiós?** ## ¿POR QUÉ FUNCIONA TAN BIEN? "The Invite" es el tercer largometraje de la estadounidense Olivia Wilde, que viene demostrando un talento notable para la dirección tras la aceptable "Don’t Worry Darling" y la graciosísima "Booksmart", mostrando detalles destacados que ahora en su nueva cinta los explota increíblemente. **Wilde toma decisiones de encuadres espectaculares, jugando constantemente con la narrativa de la propia casa, haciéndola un personaje más que dialoga con el resto; vemos en varias ocasiones encuadres naturales marcados por ventanas o marcos y la gran presencia de espejos** que, por un lado (y lo obvio), te da un margen de poder mostrar dos o más personas sin problemas en un espacio reducido pero que también podemos ver como un símbolo de introspección, de reflexión y distorsión. De hecho, Angela admite que casi ni se ve al espejo y no ve una mujer sexi, lo que habla muchísimo de cada uno de los habitantes de este departamento. Que además, está cargado con un simbolismo que para la pareja significan cosas diferentes: para Joe es el recuerdo constante de que es un fracasado y que para tener esa casa tuvo que heredarla de sus propios padres, algo que lo avergüenza constantemente; para Angela no, y le reafirma a su esposo que cientos de personas matarían por la vida que él tiene. **Y si seguimos hablando de por qué funciona tan bien esta película y justo mencionamos a los protagonistas, es en gran parte a la hilarante actuación de Wilde y Rogen, una pareja que no sabía que necesitábamos hasta verlos acá:** ambos comparten una química natural basada en la comedia pero que pueden pasar al drama, al llanto o la tristeza sin ningún tipo de escozor, y esto se complementa con dos gigantes como Penélope Cruz y Edward Norton. El casting para "The Invite" es un acierto enorme y se nota en cada pasaje. Por otra parte, el montaje es crucial y estuvo a cargo de nada más y nada menos que Yorgos Mavropsaridis, conocido por trabajar en la mayoría de las películas de Yorgos Lanthimos, un certificado de que estamos ante una grandísima obra. ¿Queremos más motivos? Seguimos nombrando: la fotografía es notable y me hizo acordar instantáneamente a uno de los grandes éxitos del año pasado: "The Studio". Y sí, porque Adam Newport-Berra fue el DOP de este film, alguien que sus credenciales hablan por sí mismas: "The Bear", "Splitsville", la mencionada "The Studio" y hasta colaboraciones con Kendrick Lamar. A este dream team se le suma Devonté Hynes, alguien al que no lo tenía de ningún lado pero que sin dudas habrá que ponerle el ojo, ya que la música repleta de instrumentos de cuerda reforzaban cada sentimiento en cada escena. **¿Puntos flojos? No encontré ninguno.** Al top de lo mejor de 2026 y, sin dudas, de las películas que suceden en una sola locación. Maestría de Olivia Wilde. ![Escena de The Invite, de Olivia Wilde](https://storage.ghost.io/c/cb/7d/cb7dca38-e0b5-4dfb-9068-d3ec8e2de0ec/content/images/2026/08/THEINVITE4.png) ## NARRATIVA CIRCULAR **Una última apreciación es el cómo arranca y cómo termina "The Invite":** anteriormente mencioné que lo hace con (I'm) Confessin' (that I Love You), con sus protagonistas riéndose y aprendiendo a tocarla. Y así también termina, con Joe volviendo a una pasión que había abandonado hace años y con Angela acompañándola una vez más. Esta canción significa mucho por su simpleza, ya que es la "base" para aprender a interpretar en el piano y no puedo evitar compararlo con su relación (o con todas las relaciones en general), donde hay que seguir aprendiendo y siempre encontraremos un error pero no por eso se abandona. La práctica hace el maestro y el amor se tiene que practicar día a día, con paciencia porque, por más fácil que parezca, puede cansarte pero siempre hay que volver a esas bases para disfrutar lo que alguna vez supimos valorar. [BEST OF 2026 + LETTERBOXD](https://letterboxd.com/redapplezine/list/best-of-2026/?ref=redapplezine.com) --- ## Sumate a Red Apple Zine Revista digital de cine, música y cultura general con reseñas, entrevistas y editoriales. Suscribite Email sent! Check your inbox to complete your signup. ### La Odisea: ¿epopeya o capricho? URL: https://www.redapplezine.com/la-odisea-epopeya-o-capricho/ Last updated: 2026-10-11T03:07:13.000Z El mundo vuelve a agrietarse. **Las personas se dividen en grupos y las discusiones comienzan a formar parte de la diaria: hay una nueva película de Christopher Nolan en cartelera.** Y acá se mezcla lo personal con la crítica responsable y objetiva, por lo que intentaré (como siempre) mezclar ambas de forma coherente. Es pertinente aclarar entonces que no soy uno de los grandes fanáticos del cineasta británico; esto no es equivalente a decir que soy uno de sus odiadores. Sí soy un acérrimo odiador de los amantes de él, los que defienden a capa y espada cada producción suya solo porque, en muchos casos, es precisa histórica y científicamente. Personalmente creo que su cine, en casi todos los casos, no logra conmoverme, impresionarme o tocar alguna fibra (sea cual sea). Para mí, su filmografía peca de querer abarcar mucho más de lo que intenta contar y termina dando vueltas sobre las mismas cosas. Pero esta reseña no pretende hablar de su carrera, me guste o no, sino que intentaré hablar de "The Odyssey", su reciente estreno tras "Oppenheimer" en 2023\. Y advierto acá, como en todos mis artículos, por supuesto que habrá spoilers. La experiencia de ver esta película es -casi- como él la imaginó: en IMAX y en una función de prensa (aunque el IMAX de Buenos Aires sea digital, pero bueno, todo no se puede amigo Chris). Recordemos que Nolan ha filmado casi todas sus películas en este mítico formato que tiene un rango muchísimo más grande colores, por supuesto que brinda muchísima más información visual y un audio mejorado. Pero, no contento con esto y casi de la nada, **una nueva cámara apareció en el rodaje: la IMAX Keighley, que es mucho más compacta que las clásicas y utiliza una película de 65mm.** Todo muy hermoso sobre los papeles y de hecho, es de lo que más se destaca en películas como la mencionada "Oppenheimer", "Dunkirk" o la propia "Interstellar"; planos abiertos preciosos y detalles que hacen la diferencia. **Pero les hago un pequeño adelanto, este es el mayor enemigo de "The Odyssey" y más adelante les diré por qué.** Primero lo primero: ¿de qué trata este film? ¿Cuáles son sus aciertos y errores? ## LA ODISEA, ¿MALA O BUENA? No es una sorpresa para nadie que estamos ante otra epopéyica obra del director y esta vez, las circunstancias lo ameritaban porque sea adentró en la adaptación de La Odisea de Homero, que narra la vuelta a casa de Odiseo tras la Guerra de Troya luego de la mítica leyenda del famoso caballo y por cómo ganaron aquella lucha. Puntualiza en esos casi 20 años en los que el protagonista intenta regresar a Ítaca, su hogar donde dejó a su esposa Penélope y su hijo Telémaco. En esa aventura lo vemos enfrentarse a cíclopes, gigantes, encontrarse con sirenas y su tiempo bajo el encanto con Calipso. Lo que no puedo asegurar y es un ¿error? mío es la precisión con la cuál Nolan adaptó este poema ni si la indumentaria es la adecuada de la época griega y si los rasgos faciales son los mismos. **Poco me importa personalmente estas cosas como también el idioma en el que se habla (excepto en la nefasta Napoleón de Scott) y es algo que a muchas personas entiendo pueda causarles escozor.** De hecho, es lo que me encanta del cine: las libres adaptaciones, no las que son precisas en todos sus elementos y este es un gran punto para Nolan. ![Escena de La Odisea, de Christopher Nolan](https://storage.ghost.io/c/cb/7d/cb7dca38-e0b5-4dfb-9068-d3ec8e2de0ec/content/images/2026/07/Odisea1-1.jpg) Aclarado este tema, la película recorre cada punto del mítico poema y lo hace desde dos perspectivas y dos presentes diferentes: por supuesto, la Odiseo con un gran Matt Damon y también desde la de su hijo Telémaco con Tom Holland dándole vida. Vemos ambas visiones; la de un líder tratando de volver a casa y la de un joven que no pudo conocer nunca a su padre y tiene que luchar internamente por la decisión de un nuevo rey. Porque claro, en Ítaca no hay un líder hace casi 20 años (10 de lo que duró la Guerra de Troya y otros 10 en el recorrido de vuelta a casa) y todo recae en que Penélope (Anne Hathaway) elija un nuevo esposo entre sus pretendientes (uno de ellos es Antínoo, interpretado por Robert Pattinson) o que su primogénito tome su lugar, por lo que ambas perspectivas son de un constante sufrimiento y una lucha por mantener el hogar. Uno de los puntos fuertes es que ambas historias son brutales, tanto la de Odiseo luchando en diferentes islas contra cíclopes, cruzándose a sirenas, brujas y, por supuesto, la mítica batalla de Troya; por otro lado, Telémaco intenta encontrar rastros de su padre para saber si verdaderamente ha muerto o sigue vivo y tratándose de encontrar a sí mismo en ese proceso, aprendiendo a valerse por sí mismo. **Estos puntos son algo que el cine de Nolan sabe explotar perfectamente, siempre intentando ser lo más épico posible aunque, para mí, el metraje se extiende más de lo necesario.** Y claro, con tantas caras conocidas en el camino como Mia Goth, Lupita Nyong’o, Charlize Theron, Zendaya, Benny Safdie o Jon Bernthal, entre muchos otros, Nolan encuentra un blockbuster asegurado: **un cast impresionante mezclado con guerras que, aunque con un presupuesto elevadísimo de 250 millones de dólares, está casi asegurado que recaudará muchísimo más.** ¿Esto quiere decir que la película es buena o mala? Y, no soy quién para decidir esto con estos parámetros; es una epopeya que no me aburrió ni me volvió loco y aunque peque de algunas cuestiones repetitivas e intente golpear emocionalmente al final, siento que nunca clava la estocada final. Sí puedo aclarar que el enfoque hacia el verdadero costo y legado de una guerra, aunque el resultado sea positivo, me gustó muchísimo, como así también la intensa búsqueda de la verdad y el hogar. ## ¿IMAX CULPABLE? Ahora, sí encontré algo que me sacó completamente de la película y son detalles técnicos que, de pasar algunas veces, pasarían desapercibidos pero que al ser casi constantes, se me dificultó sumergirme por completo en la experiencia: **¿puede ser que el montaje y la continuidad no fueron las mejores? ¿Quizás el uso de IMAX en está película jugó una mala pasada? Vamos a analizarlo.** Primero, el montaje me pareció excesivamente rápido y fugaz en muchos pasajes de "The Odyssey" y perdonen el término, pero el primer adjetivo que me sale decirle es "tiktokero", con planos que no duraban más de un puñado de segundos, tanto en conversaciones en las que se podría sostener un plano abierto, se centraba mucho en planos cerrados (para mí, innecesarios) y pasaban rápido, como también en las escenas de combates en las que uno ha visto en las cintas de Nolan y se sostenían mejor que un Tom Holland aprendiendo a pelear tanto en la película como en la vida real, con movimientos toscos ocultados por cortes. **¿Es simplemente un error o algo que hoy tiene que estar sí o sí porque el público así lo demanda?** Porque seamos honestos: una película de tres horas para una audiencia acostumbrada a lo efímero debe ser "complicada" de sostener. ![El tamaño de las cámaras con el "blimp" (foto Hollywood+)](https://storage.ghost.io/c/cb/7d/cb7dca38-e0b5-4dfb-9068-d3ec8e2de0ec/content/images/2026/07/Odisea2.jpg) El tamaño de las cámaras con el "blimp" (foto Hollywood+) Pero... **¿y si esto en realidad es culpa de IMAX? Bah, más que de IMAX, de un capricho estético y técnico del cineasta y acá entra en juego la continuidad.** Vi constantemente y sobre todo en las conversaciones que personaje A miraba a personaje B y cuando mostraban la perspectiva de personaje B, personaje A estaba mirando hacia otro lado, todo en cuestión de segundos (y solo por citar un ejemplo claro); como dije antes, si esto fuera cuestión de algunos momentos, se entendería, pero es algo constante en la cinta. Lo que me lleva a la gran pregunta: ¿qué pasó? Bueno, básicamente por las cámaras que se utilizan para este formato tan requerido por Nolan y para que lo entiendan,[ dejo esta gran pregunta de Albert Laro al propio Matt Damon](https://www.tiktok.com/@albert%5Flaro/video/7661632989478145302?ref=redapplezine.com) y tomen dimensión de lo que estamos hablando. A pesar del uso de estas nuevas IMAX Keighley, **los actores tienen que interactuar muchas veces con una cámara del tamaño de una heladera porque las que son de un modelo viejo tienen que usar un "blimp" que sirve para insonorizarla.** Entonces, deduciendo un poco, no podrían tener una conversación "honesta" mirándose al decir sus diálogos. Esto, a mi entender y en mi opinión, es una tremenda jugada en contra de la película que si bien busca lo inmersivo y acercarse a lo natural con lo fílmico, lo pierde completamente con conversaciones anticlimáticas, donde los propios protagonistas tienen que mirar casi a cualquier lado a través de un espejo. Por supuesto que la estética que gana es notoria y en muchos casos se agradece... si la ves en uno de las pocas salas que pueden proyectarlas, claro (y esta es la grandísima discusión del mundo entero). Por ejemplo, en Argentina solo hay una en Buenos Aires y es un proyector digital, luego si nos extendemos hay en Brasil y México, por lo que, **para el gran porcentaje del público, es inaccesible ver la película "como él quiere".** Por supuesto que este detalle puede tomarse como una obsesión de algunos pocos, pero no pasará desapercibida y lo más probable es que haya algo que te moleste y no entiendas por qué. Esa es, para mí, la respuesta más clara. --- Fuentes: [Hollywood+ - The Odyssey BTS](https://www.youtube.com/watch?v=6RoSEc2H1hY&ref=redapplezine.com) [Albert Laro con Matt Damon](https://www.tiktok.com/@albert%5Flaro/video/7661632989478145302?ref=redapplezine.com) [Especificaciones técnicas ](https://www.imdb.com/es-es/title/tt33764258/technical/?ref%5F=tt%5Fspec%5Fsm&ref=redapplezine.com) --- ## Sumate a Red Apple Zine Revista digital de cine, música y cultura general con reseñas, entrevistas y editoriales. Suscribite Email sent! Check your inbox to complete your signup. ### El Poeta: no pierdan su fe en este poeta triste URL: https://www.redapplezine.com/el-poeta-no-pierdan-su-fe-en-este-poeta-triste/ Last updated: 2026-10-11T03:07:13.000Z Escribir sobre el segundo largometraje de Simón Mesa Soto será una tarea difícil y tediosa; **no porque la película presente alguna dificultad sino que, por el contrario, es una maravilla absoluta y nada de lo que pudiese pasar a un texto le haría honores a El Poeta**. Hay tantos puntos que tocar y tanto de lo que quisiera que hablemos acá que requeriría un debate presencial pero tocará conformarse con las palabras tal como su protagonista. > "... más no pierdan su fe > en este poeta triste > que está intentando escribir > un poema feliz" Así termina el film, con el nuevo poema del poeta triste, frustrado, traumado, solitario. Mejor dicho, el cliché de todos los artistas perturbados que coinciden que desde la infelicidad surgen mejores cosas. Y de hecho, varios son nombrados constantemente en la película: Alejandra Pizarnik, Pablo Neruda o José Asunción Silva. Este último, el ídolo de Oscar Restrepo, nuestro protagonista de "Un Poeta"; él ve en Silva un ejemplo a seguir, tanto en su trabajo como en su depresión y, por supuesto, el romantizado suicidio de los poetas. Para Oscar, esta salida es fácil y ve en el legendario escritor colombiano un espejo; pero, **¿cuáles son los problemas tan graves que tiene nuestro querido protagonista?** Aparentemente, ninguno: sí, no tiene un peso, sigue viviendo con su madre enferma, le saca plata y su auto, su hija le tiene lástima y persigue constantemente la sombra de lo que fue alguna vez (profesor de una Universidad y escritor de dos libros), pero en algún punto, perdió el rumbo. ¿Son suficientes motivos para querer quitarse la vida? Para él, en algún punto, sí. **Hasta que su realidad cambia por completo cuando conoce a Yurlady, una pequeña adolescente que conoce en el colegio donde él, sin alternativa, comenzó a dar clases.** Encuentra en ella una mente brillante, una poeta lúcida y espectacular, una luz que él perdió hace muchísimo tiempo y se interesa en ella para poder ayudarla. Con Yurlady también viene la realidad de no solo Colombia, sino también de muchas regiones de Latinoamérica. Ella vive en una pequeña casa con sus hermanos, sus sobrinos, sus tíos y su abuela, y su realidad es completamente peor en cuanto a la que Oscar cree como un fracaso. Pero lo interesante es que esta pequeña no escribe sobre cosas tristes y melancólicas (cuando bien podría hacerlo), sino que habla sobre las cosas que le gustan, sobre lo que siente y lo que ve, con una claridad increíble. Ambos encuentran en el otro una luz de esperanza; uno para salir del pozo depresivo y otra para ver una realidad diferente. ![Oscar (Ubeimar Rios) y su hija Daniela (Alisson Correa)](https://storage.ghost.io/c/cb/7d/cb7dca38-e0b5-4dfb-9068-d3ec8e2de0ec/content/images/2026/07/Poeta1-1.png) Oscar (Ubeimar Rios) y su hija Daniela (Alisson Correa) ## **GENTRIFICACIÓN CULTURAL** > "... tus poemas son bellísimos pero, ¿sabes una cosa? > No hay ninguno contundente" Acá me detengo para hablar de uno de los puntos que más me interesó de "Un Poeta" y es sobre la mentira de los artistas y qué nos quieren vender. Efraín es el "existoso" del grupo de poetas al que pertenece Oscar, grupo que puede darle a Yurlady una oportunidad en un festival de poesía. **Efraín constantemente rebaja a nuestro protagonista, lo trata de mal escritor, de perezoso y lo pasa por arriba, aún cuando él no fue quien encontró el talento de la joven promesa.** Este mezquino artista no solo pretende ser un erudito sino que le dice a ella que para convencer al jurado y al público, tiene que escribir sobre "cosas más serias" como su color de piel, su falta de oportunidades o el peligro del barrio donde vive. Yurlady jamás se planteó algo semejante y de hecho, para ella su vida es bonita y tranquila; su sueño es ser madre, ayudar a su propia mamá y trabajar. Jamás había pensado de esa manera y dudosamente lo haga. Acá entramos en un tema que a mi me interesa en los últimos años y me genera un poco de escozor hablar de él: **noto desde hace un tiempo y específicamente desde que vivo en la capital bonaerense que se puso de moda la clase baja, lo popular.** Lo digo porque vengo de ahí; toda una vida viviendo en el conurbano, las afueras de la ciudad, y estando en contacto con personas que utilizaban palabras, que tenían ciertos hábitos o se vestían de una manera particular que, para muchísimas personas, era vulgar, hoy lo encuentran algo cool. La explosión de la cultura del fútbol, de las palabras barriales o de diferentes prendas hoy son utilizadas por clases más acomodadas. **Las marcas y empresas han puesto el ojo en la clase popular y parece que hoy es de lo más normal.** **Efraín es solo un pequeño ejemplo de la mentira del artista y de lo que hoy se conoce como "apropiación cultural clasista"**, es decir, tomar cosas como la pobreza o la falta de oportunidades para que la Embajadora de Países Bajos se conmueva y ponga el dinero en este concurso de poesía. No por nada aparece un personaje completamente desapercibido pero que podemos tomar como cualquier artista "callejero" de la actualidad: hablando en la televisión en un programa de mala monta junto a Oscar y luego vuelve a aparecer en escena en la casa de Yurlady cuando toda su familia lo está viendo. Efraín no es más que un cocainómano que aprovecha cada oportunidad que se le presenta, poniendo la cara y vendiendo algo que ni él puede creerse. ![Escena de Un poeta, de Simón Mesa Soto](https://storage.ghost.io/c/cb/7d/cb7dca38-e0b5-4dfb-9068-d3ec8e2de0ec/content/images/2026/07/poeta3-1.png) ## UN POETA ES THE HUNT PERO CON COMEDIA Técnicamente, el film de Simón Mesa Soto es brillante por dónde se lo mire. Si ya lo estamos mencionando a él, cabe destacar que su dirección y guion son alucinantes, sabiendo cómo transmitir cada sensación con movimientos de cámara y encuadres diferentes. Por supuesto, hay algo acá que funciona muy bien y es cómo la película fue dividida en 3 actos, además con un prólogo espectacular. Conocemos a fondo a Oscar Restrepo, un brillante personaje encarnado por Ubeimar Rios, un desconocido actor (no hizo ningún otro trabajo además de este como casi todo el elenco). Y esto fue una decisión más del propio director y el equipo de casting, quienes decidieron que Oscar tenía que aparecer solo y vaya si lo hizo; **vemos en Ubeimar una persona tierna, entrañable, cariñosa y le tenemos muchísima empatía. Esto es trasladado directamente su personaje y es uno de los grandes aciertos del film.** Además, la película tiene un montaje estupendo y frenético, con ritmos pausados cuando lo requiere y acelerados cuando lo pide la historia. Y encima, todo fue filmado en fílmico, por lo que la textura ayuda a darle ese aire de nostalgia y estancamiento pero sobre todo, ese cariño que le tenemos a todos los personajes. **Y existe una comparación un tanto absurda pero que en parte es verdad: "Un Poeta" es "The Hunt" de Vinteberg pero hecha tragicomedia.** Se refiere directamente al segundo acto de la película cuando todo se sale de control y entre pito y flauta, terminan acusando a Oscar Restrepo de abusador y alcohólico y deberá demostrar que es toda una mentira. Pero a él no le importa que lo denuncien y acá encontramos el verdadero motor de la película: **solo quiere el amor de su hija, la persona por la cuál él daría todo.** Es a su pequeña Daniela quien le dedicó sus primeras poesías cuando ella ni había nacido y es por ella que él intenta seguir adelante (o al menos, intenta convencerse de ello). Y es ella quien le dice la verdad en la cara "vos no te esforzaste lo suficiente", regalándonos uno de los finales más hermosos y emotivos que jamás he visto. > "Heme aquí. > Un hombre. > Anticuado dinosaurio. > Portador de agravios. > Merecedor de condenas. > Frágil soñador. > Más no pierdan su fe > en este poeta triste > que está intentando escribir > un poema feliz" --- ## Sumate a Red Apple Zine Revista digital de cine, música y cultura general con reseñas, entrevistas y editoriales. Suscribite Email sent! 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Y lo haremos, pero también necesito entender y explayarme sobre el por qué el mundo (y me incluyo) está amando a estas nuevas cintas de terror de directores que provienen de YouTube, porque aunque parezca solo un dato de color, hay un patrón ahí que se repite y que no está fallando (hasta que las productoras abusen de esto). **Analicemos un poco el furor por la película de Curry Barker y el presente del género.** ## DE YOUTUBE A LAS ¿GRANDES LIGAS? Curry Barker es el creador de "that's a bad idea", su canal de YouTube junto a Cooper Tomlinson (coprotagonista de Obsession) y **tienen videos allí desde hace casi 10 años inventando diferentes sketches.** 570 videos en su canal en casi una década llevaron a que en 2024 subiera su primera película: "Milk & Serial", una producción de terror de una hora dirigida, escrita y editada por el propio Barker y con Tomlinson como protagonista. La creatividad de este largometraje y la madurez del mismo llamaron la atención de muchísimas personas, incluidas algunas productoras y lo que siguió es un cuento digno de algo ficticio, porque solo en 2025 ya habían firmado un acuerdo para hacer Obsession y una película más llamada "Anything but Ghosts", y con su estreno en el Festival Internacional de Toronto, distribuidoras mundiales invirtieron su dinero para llevarla a todos lados. Tras una extensa recorrida por festivales, su estreno comercial fue el 13 de mayo de 2026 y fue -y continúa siendo- un éxito rotundo: solo en su primer fin de semana obtuvo [17 millones de dólares y actualmente, a nivel mundial, lleva recaudados 372 millones de dólares](https://www.boxofficemojo.com/release/rl1660846081/weekend/?ref%5F=bo%5Frl%5Ftab&ref=redapplezine.com#tabs) ¿El costo de producción? Tan solo un millón. En términos de éxito financiero y teniendo en cuenta la carrera como youtubers, es definitivamente admirable. Pero no lo digo sólo por las ganancias sino por rédito personal: poder hacer una película con tus propias ideas, con tus propios mecanismos y que alguien genuinamente se interese en ello, es realmente una locura de solo pensarlo. ![Escena de la película de terror Obsession](https://storage.ghost.io/c/cb/7d/cb7dca38-e0b5-4dfb-9068-d3ec8e2de0ec/content/images/2026/07/Obsession2-1.png) ## OBSESSION COMO FENÓMENO CINEMATOGRÁFICO Directamente hablando de la película, **en tan solo 20 minutos el film te conduce directamente al plot:** Bear (Michael Johnston) quiere declararse ante su amiga Nikki (Inde Navarrette) y se lo cuenta a su mejor amigo Ian (Cooper Tomlinson) y en un ensayo de lo que va a decir, vemos cómo él está enamorado de ella hace tiempo, desde la secundaria hasta la actualidad donde trabajan juntos. Él no se anima a hacerlo pero está juntando el coraje y se decide a contárselo esa misma noche. Misma noche que su gato muere y que se entera que ella se irá unas semanas; por este último motivo, Bear decide comprarle un regalo y encuentra en una tienda de baratijas un "juguete" que cumple deseos. Durante la noche y a pesar de las interrupciones, el protagonista tiene varias ocasiones para declarar todo lo que siente pero su cobardía se lo impide constantemente; incluso cuando ambos se quedan solos tras la compañía de sus dos mejores amigos (el mencionado Ian y Sarah), ¡incluso cuando ambos viajan solos en su auto y ella casi lo obliga a decírselo! En ese momento de desesperación, Bear abre el regalo que nunca le dio y pide el famoso deseo: que Nikki lo ame más que a nadie en el mundo. Acto seguido, ella insiste en pasar la noche con él, teniendo momentos de escalofríos constantes, tratando de "luchar" con algo dentro suyo. Todo esto es planteado en una media hora inicial frenética y desde ahí, todo escala. **Bear entiende perfectamente al principio que no es amor, que esto es solamente una obra mágica de este juguete y que Nikki no es Nikki, es casi otra persona.** De lo mismo se dan cuenta sus amigos Ian y Sarah, tratando de evitar que ambos salgan porque algo raro está sucediendo pero él no se detiene. Aún sabiendo todo lo que está pasando, nunca "pisa el freno" e insiste en que esta relación tiene que suceder. Y reitero que me parece casi perfecta porque hay detalles de la historia que se repiten en reiteradas ocasiones (el gato muerto y los ataques de ira constantes de ella), pero hay algo que me termina convenciendo y es la simpleza; no una simpleza burda en la que las cosas no funcionan, al contrario, la simpleza de explayar todo en tan poco tiempo, de dejarnos servido todo para que vaya escalando lentamente. **Desde esta sencilla idea podemos ver la subtrama de las relaciones tóxicas, la obsesión y sin dudas, el egoísmo, hasta que todo es demasiado tarde.** Y todo gracias al querido Curry Barker, quien en total control de su obra deja las cosas así sin complicar nada, de puro terror, de pura sangre y de puro miedo. Y es que, como en su canal de YouTube, el escribió, dirigió y montó la cinta, tomando todas las decisiones de su propia creación. Y como siempre indico en mis reseñas o críticas, esto no podría funcionar sin un buen cast y sin dudas todos están brillantes, **pero quien se lleva todas las miradas es la hipnótica Inde Navarrette.** Personalmente no la había visto en ninguno de sus trabajos e ignoro si su rango actoral sea este, pero si Obsession funciona es en gran parte gracias a ella, porque no tenemos que entender solo de palabra que hay una Nikki adentro sufriendo, tenemos que verla y esta lucha constante entre esta entidad y la verdadera persona se refleja en su labor. Y en cada escalón que desciende a la locura, Navarrette tiene un nuevo y aún más escalofriante rostro para brindarnos, cruzándose con la ternura, el terror, el amor y, por supuesto, al humano sufriendo atrás de todo, suplicando a gritos que la maten. No es un descubrimiento pero quiero afirmar que estamos ante una gran promesa de actriz y no creo que solamente del género de terror. Salvando las distancias y sin ánimos de comparar, su trabajo me recordó a las palabras de Willem Dafoe hablando de sí mismo sobre su rostro admitiendo que "tiene una cara muy flexible y expresiva" y creo que para la joven actriz se aplica el mismo concepto. ![Inde Navarrette, la actriz y revelación del año](https://storage.ghost.io/c/cb/7d/cb7dca38-e0b5-4dfb-9068-d3ec8e2de0ec/content/images/2026/07/Obsession1-1.png) Inde Navarrette, la actriz y revelación del año ## ¿POR QUÉ NOS GUSTA TANTO LO QUE PROVIENE DE YOUTUBE? No es una casualidad que de las mejores producciones de terror de los últimos años, varias hayan sido dirigidas o creadas por personas que vienen de una de las plataformas de creadores más utilizadas del mundo y de la historia. **El caso de Curry Barker no es aislado y se suma a una linda lista en la que están: Mark Fischbach (Iron Lung), los hermanos Philippou (Bring her Back y Talk to Me), Kane Parsons (Backrooms) o Chris Stuckmann (Shelby Oaks).** Todas las mencionadas, incluida Obsession, tienen grandísimas e interesantes premisas, ¿pero qué nos termina atrapando tanto? La cuestión es lógica y simple: en gran medida, estos creadores son personas amantes del cine como nosotros. Lo más probable es que nos hayamos criado y creciendo consumiendo lo mismo y como tantos en el mundo, el deseo de crear estuvo implantado desde siempre. Y YouTube es un camino muy fácil para este tipo de personas, que con curiosidad crearon sus primeros cortos (sin saber que eran cortos) y construyeron una base sólida para animarse a un largometraje. Las influencias están ahí, a la vista, y sirvieron como inspiración para hacer videos y hoy películas que recaudan millones de dólares en el mundo. Pero hay un punto más interesante aún y es que estas películas provienen de la simpleza; no se "enroscan" en intentar vendernos algo muy complicado. Es el horror que proviene de lo cotidiano, de las relaciones de pareja, de las relaciones familiares, de la amistad, de los mitos urbanos, todo llevado al extremo y cada quien con su sello distintivo. Al menos, esa es la respuesta que puedo intentar encontrar con respecto a esto, o al menos es lo que yo siento. No se habla (y gracias a Dios nunca más se hablará) de terror elevado, un término tan estúpido y absurdo que alguien quiso implementar ante la anterior generación de directores como Eggers, Aster y Peele, es terror puro. Estamos, probablemente, ante una de las grandes eras y más prolíferas del horror y todas las cintas mencionadas son la prueba de ello. Cierro este artículo pidiendo una vez más algo que todos gritan: **¡DÉNLE LA IMPORTANCIA AL TERROR EN LA TEMPORADA DE PREMIOS!** --- ## Sumate a Red Apple Zine Revista digital de cine, música y cultura general con reseñas, entrevistas y editoriales. Suscribite Email sent! Check your inbox to complete your signup. ### El poder del arte para preservar la memoria URL: https://www.redapplezine.com/el-poder-del-arte-para-preservar-la-memoria/ Last updated: 2026-07-10T13:28:51.000Z **Si una palabra define la película “It Was Just an Accident” es memoria.** La sensitiva, la colectiva; la tangible. Es que tanto los personajes ficcionados en este film como el propio director Jafar Panahi sufrieron en carne propia las atrocidades e injusticias de las autoridades iraníes por “atentar contra su régimen” sólo por marchar o hacer una película. Esta poderosa cinta, ganadora de la Palma de Oro en Cannes y la gran favorita para llevarse el galardón como Mejor Película Extranjera en los Óscar, es un relato crudo teñido de thriller dramático con tintes de comedia sobre la corrupción y negligencia que azota el mundo entero. A pesar de las miles diferencias culturales que un pueblo como el latinoamericano y el iraní pueden tener, hay muchas similitudes insólitas que se repiten en uno u otro lado (y, lamentablemente, todas las malas). Panahi retrata una serie de eventos de forma tan ingeniosa, con diálogos filosos e inteligentes y hasta con sonidos y colores que nos hablan sin hablar, una historia oscura y tristísima que no sólo queda en la ficción. Por supuesto, este artículo contiene spoilers. **Plano secuencia inicial:** nos situamos en un auto destartalado manejado por un hombre, acompañado por su mujer embarazada y su pequeña hija en el asiento trasero mientras juega. Diálogo va, diálogo viene, el conductor atropella un animal. Mientras frena y baja a ver, sólo escuchamos los sonidos agonizantes de un perro que, por desgracia, muere. **En esa escena, las luces traseras del auto iluminan el rostro avejentado de nuestro protagonista y queda marcado; sabemos muy bien que ese color es advertencia, es culpa, es peligro.** El conductor vuelve al auto y su pequeña hija, con total inocencia, incrimina al padre hablando de que mató al perro, mientras que la madre dice que “por algo el Señor puso a ese perro en el camino” y que “fue sólo un accidente”. Metros después, el automóvil se rompe y justo donde se queda, un hombre lo auxilia arreglando el motor con algo provisorio. El plano secuencia inicial termina ahí, pero comienza la verdadera historia: en ese lugar hay otra persona, Vahid (Vahid Mobasseri), quien apenas oye caminar al padre de familia su rostro cambia por completo y el pánico lo envuelve, como si de un demonio se tratara. Se esconde e intenta verlo a lo lejos, pero sin éxito y ya la pregunta está puesta implícitamente: ¿qué relación hay entre ambos? ¿qué pasó? ¿de dónde se conocen?. Entonces, la historia avanzará con esta base ya propuesta y con la que uno comienza a escuchar, poco a poco, qué sucedió. En “It Was Just an Accident” se nos cuenta que Vahid teme a esta persona porque se trata de Eqbal, un cruel torturador de las autoridades de Irán y que lo reconoce instantáneamente por el ruido que hace su pierna postiza, un sello característico de este tirano al que apodaban “Pata de Palo”. **Vahid, consumido por la venganza, lo secuestra y tiene la intención de enterrarlo vivo sin mucha mediación**, pero tras los gritos de súplicas del hombre diciendo que se está equivocando, primero quiere asegurarse de que esa persona sea la que él cree que es, entonces comienza a buscar personas con las que compartió la prisión para que lo ayuden a identificarlo y así, conforma el “selecto grupo” con una pareja que está por casarse, la fotógrafa de la boda y su expareja, todos (o casi todos, menos el futuro esposo), pasaron por las cruentas tortugas de este tal Eqbal. Ahora la historia se debate entre la moralidad de encontrar la identidad de este tipo, y si fehacientemente es quien creen que es, ¿qué harán? ¿Se convertirán en la misma clase de basura humana que él o serán mejores personas? ¿él saldrá como si nada y no habrá justicia? ¿Qué es la justicia en todo caso?. Probablemente, nada de lo que hagan les hará recuperar el tiempo infernal que pasaron durante su estadía en la cárcel sólo por haber marchado por un salario mejor, y nada justifica los actos malévolos que este torturador tuvo para con ellos. **Todo el metraje se debate entre estas cosas y no contaré la conclusión porque sería demasiado y, al fin y al cabo, no lo “importante” en la historia, si no cómo cada personaje de este grupo debate y pone al frente su postura ante la crueldad humana y nosotros como espectadores internamente tomaremos una postura ante esta situación.** Como dije al principio, la película es un thriller dramático pero que tiene espacios abiertos para algunos pases de comedia, como la corrupción teñida ya de una sátira como un policía pidiendo una coima con un posnet para pagar con tarjeta de crédito en medio de la calle. Y su punto más fuerte son las conversaciones tan profundas y filosóficas pero no rebuscadas; son charlas que uno puede tener con algún conocido. **Es la cotidianeidad a pesar de la pesadilla la que hace que empaticemos y nos sintamos identificados a pesar de los miles de kilómetros de distancia que nos separan (literalmente y culturalmente) entre audiencia y personajes.** Y es terriblemente triste que lo que nos une sea la injusticia de un mundo cruel que parece no cambiar nunca en ningún lado, en el que estamos condenados a presenciar o ver actos tan denigrantes y escandalosos por el resto de nuestras vidas. De hecho, el propio director Jafar Panahi fue encarcelado en Irán durante más de 90 días, condenado en tres ocasiones y retenido por 14 años para que no pueda salir de su país. Su caso conmocionó al mundo porque se lo acusaba de “atentar contra el régimen iraní”, cuando estos cargos eran totalmente ficticios y exagerados: lo único que había hecho fue marchar en una ocasión y otras por hacer películas que, según las autoridades, eran propaganda anti régimen. Una paparruchada total que parece sacada de una comedia, pero que le sirvió al propio cineasta para retratar varias historias y, entre ellas, esta genial obra que está recorriendo el mundo entero y causando estragos. **Entonces vuelvo al punto de utilizar la palabra memoria:** es la memoria que sensorial la que nuestros personajes activan cuando reconocen a su captor por las heridas de su pierna, su olor y el ruido que hacía al caminar; es la propia memoria del director plasmada en su arte para que estas cosas no se olviden nunca en la vida y perduren en el tiempo contra cualquier tipo de gobierno. Y es la memoria que no debemos perder nosotros como espectadores y ciudadanos cuando las cosas vuelvan a repetirse y sabemos cómo puede terminar todo. --- ## Sumate a Red Apple Zine Revista digital de cine, música y cultura general con reseñas, entrevistas y editoriales. Suscribite Email sent! Check your inbox to complete your signup. ### ¿Existe el Spoiler realmente? URL: https://www.redapplezine.com/existe-el-spoiler-realmente/ Last updated: 2026-07-10T13:29:09.000Z Spoiler alert: la respuesta es no. La gran pregunta que todo el mundo se hace tanto a la hora de escribir como de leer algo es saber o no si esa crítica/review tiene un adelanto de la película, sobre todo con grandes lanzamientos en los que todo el mundo habla como lo es actualmente con “Deadpool and Wolverine”. Entonces, queda flotando la duda: ¿es necesario contar el final o partes cruciales de una cinta para poder hablar de ella? Probablemente una de las cosas más delicadas que surgió a lo largo de los años y de la mano con las redes sociales son los adelantos de series o películas que la gente empezó a publicar. El enojo comenzó a crecer entre las personas que veían estas cosas y aún no habían tenido la posibilidad de disfrutar de dicho capítulo o cinta pero esto se trasladó a instancias mayores: ahora este público comenzó a replantearse la posibilidad del spoiler dentro del mundo de la crítica. Sí, es posible analizar algo sin contar un final o un detalle importante, ¿pero es realmente una buena crítica? En todo caso, haríamos una sinopsis para enganchar a la audiencia pero no un análisis profundo de la cinta a tratar. El spoiler es importante para hablar sobre un material audiovisual y en todo caso, podría dar aviso de esto al inicio del texto para avisarle a los lectores lo que está por suceder. Así como esto se trasladó al enojo, también a los creadores de contenido que en el afán de ganar un lugar en la discusión de la película o serie de turno, comenzaron a coquetear con las “reviews sin spoilers” o “mis primeras impresiones”. Es algo difícil de realizar y quizás, hasta vacío en cierto punto porque ¿dónde está la review de una película si no podemos contar cómo terminó? Y de acá sale un punto muy importante en este tema: ¿qué es lo más relevante en una cinta? ¿Solamente el final? Para casi todas las personas, para evitar el spoiler solo basta con no filtrar cómo termina una película como si eso fuera lo vital, pero sería un error reducir una historia por su desenlace (sea bueno o malo). Hay detalles y toda una narrativa en las cintas que también conduciría a contar cómo finalizó pero no hay una queja sobre eso. Es muy importante contarlos en un buen análisis o crítica porque es lo que, a final de cuenta, arma lo que vimos y oímos: sería imposible reducir un texto a los detalles que no importan o sólo a ciertas técnicas que los directores usaron. De hecho, muchas historias (desde libros hasta series y películas), arrancan contándonos el final: imaginate decirle a Shakespeare que no ponga en el prólogo de “Romeo y Julieta” lo que va a suceder en la historia o a Scorsese que no puede hacer explotar a De Niro en la intro de “Casino”. El final, entonces, es casi como una excusa para la historia en la que nos vamos a adentrar por horas. Desde el lado del escritor de críticas o reviews, lo más difícil creo que es sacarse ese miedo a spoilear a los lectores pero es una necesidad tratar de superar ese temor. Es necesario contar las historias tal cómo las vemos y analizarlas de forma tal que podamos plasmar en palabras toda la obra. Sería entonces imposible o un trabajo incompleto hablar de lo que acabamos de ver sin spoilear. De todas formas, el enojo de las personas ante estos adelantos no pedidos y sorpresivos es muy entendible: algunos lo publican con maldad, otros por el desinterés y alguna que otra persona simplemente por ganar relevancia en redes sociales. Pero lo que sí no comparto y me parece absurdo, es llevar este sentimiento de negatividad ante las críticas que se hacen de las películas. Se hicieron toda la vida y se seguirán haciendo hasta que dure el tiempo porque no hay manera de evitarlos para hacer un buen trabajo. Quizás queda del lado del escritor dejar una alerta al principio y darle aviso al lector. --- ## Sumate a Red Apple Zine Revista digital de cine, música y cultura general con reseñas, entrevistas y editoriales. Suscribite Email sent! Check your inbox to complete your signup. ### One Battle After Another, ¿la mejor de PTA? URL: https://www.redapplezine.com/one-battle-after-another-la-mejor-de-paul-thomas-anderson/ Last updated: 2026-10-11T03:07:01.000Z Una de las grandes preguntas que me hago en mis crisis futuristas es: ¿cuál será la película que trascienda épocas y dentro de muchos años podré decir que fui al estreno?. Digo, ¿cuál sería el clásico instantáneo de nuestra época?. Las personas que vieron Taxi Driver en su estreno, ¿se dieron cuenta que estaban viendo historia pura?. Esta última no tengo tantas respuestas, pero sí para las primeras dos: “One Battle After Another” de Paul Thomas Anderson es, para mí, un film que llegó para hacer historia; será una de esas cintas que hablaremos durante mucho tiempo y recomendaremos. Y más teniendo en cuenta que PTA tiene 10 películas que van desde excelente a obra maestra, este último estreno entra, para mí, cómodamente en el top 3 (si tendríamos que hacer un ranking de su filmografía). Y, tranquilamente, podría ser la obra maestra definitiva del director estadounidense. Pero, ¿qué hace que esta película tan maravillosa?. Paul Thomas Anderson escribe y dirige todas sus películas pero esta es el segundo guión que adapta de un libro de Thomas Pynchon (el primero fue para “Inherent Vice” en 2014). Para su reciente estreno, el director estadounidense se basó en el libro Vineland, publicado en 1990 y ambientada en el año 1984 de Ronald Regan, centrándose en la vida de un exhippie y su hija, también la búsqueda de su madre que desapareció de sus vidas, mientras escapan de un fiscal y represor de los movimientos sociales y culturales de los años 60, a los cuales pertenecían y mediante flashbacks vamos conociendo su historia.Para la película, PTA trabajó durante 20 años para adaptar de forma correcta el libro y lo hizo a los tiempos que corren, donde el movimiento hippie es reemplazado por un grupo llamado “French 75”, quienes se dedican a la violencia revolucionaria en contra del fascismo que azota Estados Unidos (en la ficción y en la realidad) y en este mismo grupo conocemos la historia de amor entre Bob Fergusson (Leonardo Di Caprio) y Perfidia Beverly Hills (Teyana Taylor). A diferencia del libro, esto no se muestra como recuerdos, pero sí en tiempo real. Entre atracos, secuestros y liberación de inmigrantes, nuestros protagonistas tienen una hija llamada Willa; y como sucede en el libro, la madre elige sus ideales y lucha por sobre su familia, mientras que el padre queda a cargo de la pequeña. Mientras tanto, se nos introduce al antagonista de esta historia, el coronel Steven Lockjaw (un impresionante Sean Penn), un militar que cumple con todos los estereotipos racistas y patriotas estadounidense, quien en secreto espía fogosamente a Perfidia y tienen una noche ¿romántica? juntos. De hecho, cuando todo está por explotar, el militar ayuda a la revolucionaria y la hace ingresar al programa de testigos protegidos, mientras que, por supuesto, le revele el paradero de todos los miembros del grupo. ![Escena de Una batalla tras otra, de Paul Thomas Anderson](https://storage.ghost.io/c/cb/7d/cb7dca38-e0b5-4dfb-9068-d3ec8e2de0ec/content/images/2026/06/OneBattle-1.png) Pero todo esto sólo sirve como preámbulo para la verdadera historia que se nos viene: 16 años después, seguimos la vida de Bob, ya entrado en la vejez, siendo adicto al alcohol y a las drogas. Mientras tanto, tenemos a una adolescente Willa (interpretada por la gran sorpresa Chase Infiniti en su debut como actriz) y, por supuesto, retomamos la cacería de Steven Lockjaw que, con afán de ingresar en un prestigio grupo privado de blancos conservadores estadounidenses, debe limpiar sí o sí su imagen, por lo que significa una cosa: ¿aquella hija que tuvo Perfidia será suya?, ¿alguien sabrá que el supremacista estuvo con una negra?. Bueno a partir de esta motivación, comenzará una lucha y cacería sin cuartel, mezclando la acción, la comedia y la exageración como armas para contar una historia de 162 minutos, que parecen volar por el nivel de frenesí que maneja el maestro Paul Thomas Anderson, con secuencias con tintes de obra maestra como la persecución final sobre las carreteras del desierto de Estados Unidos. Los movimientos de cámara se funden con la música original del grandioso Jonny Greenwood (guitarrista de Radiohead), recurrente colaborador en casi todas las producciones de PTA, dándonos no sólo un ritmo frenético sino que también hipnótico y tenso. Dicho todo esto, en esta siguiente parte me enfocaré en el director, porque parece increíble que de sus 10 largometrajes, no exista un film que sea flojo: van de excelentes a obra maestras (como dije en el inicio), siendo ahora “One Battle After Another” probablemente la mezcla perfecta de todas sus obras anteriores. La versatilidad y facilidad con la que Paul Thomas Anderson se mueve tanto en la dirección como en la escritura es de una persona prodigiosa, porque parece imposible que (y por mencionar solo tres), anteriores cintas hayan sido una comedia romántica como “Licorice Pizza”, un drama de época y obra maestra como “Phantom Thread” y una comedia con aire setentera como “Inherent Vice” (para mí, la más “floja” de él). Pareciera que todos los caminos condujeron a que junte toda esa experiencia y a sus 55 años y tras dos décadas pensando en cómo adaptar “Vineland” (según sus propias palabras, “es demasiado intimidante, mi cerebro no es lo suficientemente grande”), nos entregue su obra maestra definitiva (porque ya cuenta con varias en su haber). Creo también, que el contexto político en el que se estrenó ayuda a darle epicidad a este film, ya que es una sátira ¿exagerada? de la realidad estadounidense (y mundial), donde la ultraderecha sigue ganando terreno con sus exagerados reclamos y odio hacia todo aquel que opine diferente a ellos. Esta película es la más política de PTA y ataca hacia todas las puntas posibles, dejando en ridículo a varios sectores pero, sobre todo, a los conservadores que, por ejemplo, se atajan cuando le preguntan por qué usan remeras tan ajustadas, diciendo que “no son gays” (chistazo dentro de la cinta). Antes de finalizar este artículo, es importante aclarar que el elenco lo es todo en esta película: bueno, ¿qué decir de Leonardo DiCaprio?. Es, y lo afirmo sin pudor, el mejor actor de nuestra época y ya una leyenda del séptimo arte. Ha colaborado con los mejores directores de la historia y siempre se adaptó a las necesidades de ellos y sus exigentes guiones; acá no fue la excepción, claramente. No imagino a otro en este papel, dándonos una mezcla de su Rick Dalton de “Once Upon a Time in Hollywood” y la sobriedad reciente de su Ernest Burkhart en la gran “Killers of the Flower Moon". Junto a él tenemos una tierna, simpática Chase Infiniti y con una tremenda actitud pese a ser su debut, generando una gran química padre-hija en pantalla, pero también fuera de ella (en los posteos promocionales de redes sociales podemos ver la gran relación que todos tienen). Para finalizar, nos quedan dos actorazos por destacar: el ya mencionado Sean Penn, que nos regala una de sus mejores actuaciones de su filmografía, y Benicio del Toro como el Sensei Sergio, uno de los personajes más espectaculares de la cinta. Esta conjunción de inolvidables actuaciones junto a varios personajes más, hizo de “One Battle After Another” una salvajada apoteósica. Estoy en condiciones de afirmar que estamos ante no sólo la mejor película de 2025 (me falta ver “Sentimental Value” de Joachim Trier), sino ante la obra maestra de Paul Thomas Anderson y, en mi caso, una de las grandes cintas que he visto a lo largo de mi vida. --- ## Sumate a Red Apple Zine Revista digital de cine, música y cultura general con reseñas, entrevistas y editoriales. Suscribite Email sent! 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Mi infancia fue durante los 90/00s, mi adolescencia durante 2008 y esos años donde todo parecía florecer y hoy me encuentro divagando entre mis deseos y responsabilidades. A esta lista tengo que sumarle una nueva: "Mile End Kicks" de Chandler Levack. **Imperfectamente, la película escrita y dirigida por la canadiense Levack explora los primeros sueños, los ideales y las consecuencias de idealizar el primer amor.** Me refiero a imperfectamente porque los lugares comunes de las típicas coming-of-age o comedias románticas están por doquier; sabés cómo puede terminar cada historia que se abre a medida que avanza la cinta. A pesar de esto, la fórmula no cansa y la repetición no la hace aburrida, sigue su rumbo natural hacia donde sabemos que llegará con comedia y ternura. Nuestra protagonista es Grace Pine (Barbie Ferreira), una adolescente de 20 y tantos años que trabaja como periodista y crítica de música y siente una pasión desmedida por Alanis Morissette, un ejemplo a seguir en su vida. Su vida actual en Toronto la aburre y, como cualquier adolescente, quiere perseguir su sueño: en este caso, escribir un libro sobre su ídola y el álbum Jagged Little Pill. Para ello, se muda a Montreal, específicamente a Mile End, un barrio bohemio, vibrante y fresco, donde la juventud y la movida indie de ese 2011\. Esta sensación de ser el centro del universo y que todo conspira a tu favor se derrumba fácilmente como a todos nos ha pasado: mudarse a otro lado tiene sus consecuencias, a veces los sueños no son tan fáciles de cumplir y las personas que conocemos no terminan siendo como uno cree. **Son pasos naturales de la vida y con esa naturalidad es en la que se mueve "Miles End Kick".** ![Escena de Mile End Kicks, de Chandler Levack](https://storage.ghost.io/c/cb/7d/cb7dca38-e0b5-4dfb-9068-d3ec8e2de0ec/content/images/2026/06/BarbieFerreiraMileEndKicks.jpg) Grace comienza su travesía con entusiasmo, haciéndose amiga de la persona que le alquila una habitación y conociendo una banda llamada Bone Patrol, de aires indies y aires parecidos a Pavement aunque su cantante reniegue de la comparación como un insulto; acá conocemos a los otros protagonistas: Chevy (Stanley Simons) vocalista y líder del conjunto, con aires de alternativo y snoob, rechazando las comparaciones populares y siempre jugando a ser el enigmático. Por otro lado, está Archie, guitarrista y de una sensibilidad mayor. Por supuesto que Grace se enamora de líder, el que parece super canchero pero solo es un poser, mientras que juega a la amistad con el sensible (esta es una de las marcas registradas de este género y sabemos con quién terminará). Aún con esto dicho, el aire fresco de la juventud y de que todo puede ser posible en esta vida se respira en cada segundo, ese mismo aire que todos hemos experimentado alguna vez. **Vemos en Grace cometer los errores que cometimos nosotros pero que son cruciales para el crecimiento personal (dah, por eso es una coming-of-age) y especialmente a los que amamos la música y este estilo, veremos algo tan hermoso y sensible detrás.** De las cosas más curiosas que me genera Mile End Kicks es la doble nostalgia: nostalgia por la adolescencia eterna en un 2011 donde el mundo parecía estar en su mejor momento y nostalgia de la niñez noventera, jugando a un paralelismo bastante claro con "Almost Famous", la "prima mayor" de esta cinta. **Y es que los ideales y sueños no tienen época ni fecha de caducidad, ya que los hayamos cumplido o no, siempre estarán con nosotros esos días en los que quisimos convertirnos en algo que anhelamos tanto y el universo parecía abrirse paso con nosotros.** Además y probablemente lo más interesante de esta cinta es cómo Chandler Levack plasma inteligentemente la presencia masculina tóxica en lo laboral y en las relaciones; adultos y adolescentes no son responsables de sus acciones y someten -con o sin intención- a las mujeres alrededor. Lo vemos en el jefe de Grace que piensa en ella solo como un juguete sexual cuando su inteligencia le permitió escribir más de 400 artículos, en sus compañeros de su último trabajo tratándola mal o en el propio Chevy jugando a ser el diferente y lastimando a una persona que quiere tener una relación con él. Pero también es interesante por cómo muestra que el deseo o anhelo puede convertirse en arrogancia e imprudencia, ya que la protagonista no toma dimensiones de cómo sus decisiones afectan a su alrededor: ya sea al acuerdo con una editorial para publicar su libro, con su roommate o su propia madre. Lo vuelvo a repetir: el universo en ese momento parece nuestro para jugar como querramos, pero no lo es y la cineasta canadiense lo replica muy bien. **Si lo que buscás es una cinta fresca de este género, con una hermosa banda sonora y soundtrack original, Mile End Kicks es tu película.** Por supuesto, esta opinión y reseña es totalmente personal ya que a mi me resuena mucho más por haber estudiado periodismo y pensar que iba a cambiar el mundo con mis ideales (spoiler alert: no sucedió... aún), pero el deseo sigue intacto y esta cinta revolvió profundamente en el cajón de los recuerdos, bellos momentos que aún siguen ahí. --- ## Sumate a Red Apple Zine Revista digital de cine, música y cultura general con reseñas, entrevistas y editoriales. Suscribite Email sent! 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Un 16 de junio, Jesse y Celine se conocían en un tren, bajarían a pasear todo un día por Viena y crearían una de las historias románticas más hermosas de la historia del cine; muchos años después llegarían dos películas más que completarían una de las trilogías más sólidas que se ha visto en el mundo cinematográfico y no sólo por el género de romance o porque el puntapié inicial haya sido un hecho real que tuvo el director Richard Linklater, **sino por la conexión que tuvimos -o tenemos- como espectadores con los personajes y con nuestra propia existencia.** Pero dicho todo esto, yo amo hacerme preguntas y lo primero que me surge es: ¿por qué? ¿por qué amamos tanto tres historias que no protagonizamos? ¿qué nos hace conectar tanto con las películas que podemos soñar en tener algo parecido o quizás vernos reflejados en ellas?. Este artículo es para responderme a 20 años del estreno de “Before Sunrise” esta incógnita que a su vez, será muy difícil de responder porque uno de los grandes retos que tengo a nivel escritura es plasmar sentimientos sobre una cinta a las palabras: ¿cómo describir las emociones que uno ve y oye a la lectura?. Lo intentaré y espero que me acompañen en ese camino. ![Escena de la trilogía Before, de Richard Linklater](https://storage.ghost.io/c/cb/7d/cb7dca38-e0b5-4dfb-9068-d3ec8e2de0ec/content/images/2026/06/before1.png) Primero quiero sacarme de encima un detalle que, a mi parecer, no es absolutamente relevante en este asunto pero sí es algo curioso: **que Richard Linklater haya pasado una noche en Estados Unidos junto a una mujer al igual que en su obra, me parece totalmente hermoso.** Como también me parece totalmente increíble que haya hecho una película basándose en ese encuentro y conexión y que esa mujer nunca haya podido verla porque cuando Linklater intentó encontrarla, se enteró que ella había muerto. Digo que no me parece relevante en cierto punto porque no hay mucho más que agregar pero sí es importante una palabra que utilicé para describir este suceso: *conexión*. Este sustantivo es vital para comenzar a hablar de toda la trilogía porque es la base de ella. Es la conexión entre humanos mediante charlas, miradas o gestos. Es la conexión entre la ficción y la realidad. Es la base de la que me afirmo para comenzar a contestar mi pregunta inicial: **nos sentimos tan identificados con una ficción porque nos sentimos conectados.** Porque a pesar de que, probablemente, nunca hayamos vivido algo semejante, hay una magia detrás de todo esto que, probablemente, sí hayamos vivido. ## #1 BEFORE SUNRISE Comencemos claramente con “Before Sunrise”, el preámbulo de este tridente: e**s el film que ilustra el enamoramiento juvenil o adolescente, ese que te permite hacer las locuras que jamás hubieses imaginado como bajarte de un tren en un país que no conocés y recorrer sus rincones a pie para charlar con esa persona que tanto te gustó.** Un detalle no menor que retomaré más adelante es que la conexión se establece en un vagón porque una pareja de cuarenta y tantos años se estaba peleando y los jóvenes Jesse y Celine cruzan miradas como no entendiendo qué sucede y cómo han llegado a ese punto. Ambos comienzan a hablar, se presentan y él la convence a ella de bajarse allí, pasar la noche y al otro día seguir cada uno su viaje. Y así, entre miradas casuales, bailes, besos, caricias y charlas intimistas transcurre esta historia que (y no mientas), todos soñamos alguna vez vivir. **Saquemos el tren y saquemos Viena: esta noche es una noche que cualquier otro ser humano podría tener, charlando con una persona que espera con mucha predisposición tus palabras y tus ideales.** Esa conexión antes de dar un beso y sentir miles de sensaciones y esa angustia de no querer despegarte nunca más a pesar de que parecía una idea muy romántica dejar todo en una noche. Aquella tan mencionada y recordada jornada fue específicamente un 16 de junio y se suponía que se reencontrarían seis meses después en esa misma estación, ¿pero lo harían? ![Escena de la trilogía Before, de Richard Linklater](https://storage.ghost.io/c/cb/7d/cb7dca38-e0b5-4dfb-9068-d3ec8e2de0ec/content/images/2026/06/before2-1.png) ## #2 BEFORE SUNSET Con este final abierto termina esa primera historia, dejándonos muchas dudas de lo que sucedería, pero con la certeza de que, a veces, esas conexiones son de una vez y listo. Obviamente nuestro *“chip”* quiere indicar a toda costa que sí se vieron y que estarán juntos toda la vida, pero algo que Linklater entendió muy bien es que esto no era una romance convencional y que tampoco se trataba solamente de eso. **Las respuestas a tantas preguntas llegarían exactamente nueve años después con la espléndida “Before Sunset” la que es, para mí, la mejor de todas.** Esta vez nos situamos en París en la mítica librería “Shakespeare and Company”: allí tenemos a Jesse, quien ahora es un escritor consagrado y está presentando un libro que escribió inspirado sobre aquella noche que pasó (un poco meta relacionándolo con lo que le sucedió al director); del otro lado emerge desde entre los estantes Celine, mirándolo con un poco de admiración. **Las miradas se vuelven a encontrar y a nosotros nos exalta el corazón: ¿no se vieron nunca más? ¿lo mira y está ahí porque están juntos?** De nuevo, todas las respuestas están en los 80 minutos de cinta, pura charla otra vez pero en esta ocasión, desde un lado más maduro pero con muchas dudas entre ellos. Él confiesa que sí fue aquel 16 de diciembre de 1995 pero ella no porque había muerto su abuela; él confiesa que su vida hubiese sido muy diferente si se presentaba y ella admite que dejó de creer en el amor desde aquel 16 de junio. **Ambos exponen sus mayores miedos y fracasos de manera delicada y temerosa, pero dejando caer una mochila con un peso enorme.** También nos enteramos que Jesse está casado y tiene un hijo, pero la conexión con Celine es diferente y terminamos después de una larga caminata por París en el departamento de ella. Un poco más de charla, música de por medio y una de las frases más icónicas de esta trilogía: *“cariño, vas a perder ese vuelo”.* **Si la primera era el amor adolescente, “Before Sunset” es la madurez de los 30 y tantos años, cuando las ideas están más consolidadas y no tan romantizadas pero con la certeza de que algo aún puede cambiar, de que algo más hay.** Y cabe aclarar desde este punto que si bien desde la primera entrega tanto Ethan Hawke como Julie Delpy participaron activamente en el guión, en esta segunda parte ya formaron parte directamente en la escritura de la parte dos y tres; esa dinámica entre ambos se vio fuera y dentro de la pantalla y es uno de los puntos más altos de estos films ya que por eso mismo nos sentimos tan cercanos, porque son personas reales a pesar de todo, igual que nosotros, con problemas y muchas incertidumbres. De esta forma y con otro final sublime, avanzamos nueve años nuevamente (que igual, Linklater no sabía si habría una tercera entrega, pero gracias a Dios sí existió) y pasamos a la última, “Before Midnight”. ## #3 BEFORE MIDNIGHT Avanzamos en el tiempo, nos encontramos nuevamente con Jesse y Celine entrados en edad, unos 40 y tantos. Sí, están juntos y mantienen sus miradas, sus charlas, sus caricias y ahora comparten la vida con dos hijos (además del que él ya tenía). **Pero esta es la película de la no idealización, la del golpe de realidad, la del agotamiento. Y si de conexiones hablamos, este film es la desconexión en vida; es que sí, tanto tiempo juntos hizo que algo no empiece a funcionar entre ellos y por más que lo intenten, algo está trabado.** De nuevo tenemos charlas y reflexiones pero esta vez, discuten mucho. Ella le dice que no lo ama más y él le dice que sie piensa que va a estar toda la vida, se equivoca: *“Before Midnight” no es el romance clásico, es el romance real*. El que te muestra en primer plano una pareja que quizás no funciona pero que intenta seguir adelante pero que contrariamente a los clásicos de amor, probablemente no exista ese “final feliz” cliché, probablemente decidan separarse. Eso lo vamos a ir descubriendo poco a poco junto a ellos en unas charlas íntimas y durísimas pero que te hacen pensar “y bueno, así es la vida”. Es un cierre increíble para una trilogía que plantea la vida misma y trae un detalle que dejé al principio: **¿recuerdan que nombré aquella pareja peleando en el tren que ellos vieron?, esa pareja ahora son ellos mismos, 18 años después. Esa pareja que se veía tan lejos y que en su ideal adolescente creyeron nunca alcanzar, lo hicieron inevitablemente.** **La Trilogía Before es conexión absoluta (en lo bueno y en lo malo), pero sobre todo, es humana.** Siempre va a depender del momento de la vida en el que estés o cómo estás plantado respecto a las relaciones. Linklater, Hawke y Delpy han construido juntos una de las sagas más sólidas y cercanas que he visto en mi vida y la atesoraré por siempre. --- ## Sumate a Red Apple Zine Revista digital de cine, música y cultura general con reseñas, entrevistas y editoriales. Suscribite Email sent! 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En ese film imaginario, por supuesto que sí.** Mientras charlo con Sofi y acaricio su panza de siete meses, preparo mi cámara para tratar de retratar algo desde la cuarta fila sin molestar a nadie. **Lucrecia Martel sale al escenario con el ahora característico bastón junto con Malena Rey y el auditorio se funde en un aplauso que denota orgullo y deseo.** Probablemente, el mismo sentimiento que han esbozado lugares como Berlín, Toulouse, Tokio, Río de Janeiro o Buenos Aires cuando la cineasta salteña recibió ovaciones y premios por alguna de sus producciones. Ambas se sientan y preparan un juego de preguntas para comenzar a charlar en el marco de la presentación del libro “Un Destino Común”, de la editorial Caja Negra y editado por la mencionada Rey, y aunque todo decante en conversaciones o palabras pasadas, la temática de todo lo que rodea a Martel es el futuro y cómo podemos avanzar hacia él con cuidado, cuando el pasado es mal estudiado y el presente es indigno. Ambas hablan de lo que han charlado para este libro, conversan también sobre la producción de su reciente y quinta película (y primer documental) “Nuestra Tierra” y la importancia de entablar conexiones con otros humanos. ![Martel y Rey charlando frente a un auditorio lleno](https://storage.ghost.io/c/cb/7d/cb7dca38-e0b5-4dfb-9068-d3ec8e2de0ec/content/images/2026/06/lucrecia2-3.jpg) **Martel y Rey charlando frente a un auditorio lleno* Ella es extravagante y peculiar. No de manera despectiva y tampoco como algo vulgar, sino en cómo se expresa; se ríe, te hace reír y no tiene escrúpulos en lo que tenga ganas de contar. Sabe leer al público y endereza sus palabras según cómo se encuentren todos (en Mar del Plata se encontró con gente más “seria”) y allí dirigió sus ganas, aunque siempre con un chiste de por medio. A veces, Martel se va por las ramas y se olvida de dónde viene lo que está contando, pero siempre retoma el camino inicial (sea por su memoria o por su cuaderno de anotaciones). Y siempre deja algo picando en tu cabeza, algo que quedará plasmado. Y reescribir cada cosa que dijo en esa charla de hora y pico sería absurdo porque no tendría ningún tipo de sentido. Además, ¿cómo contaría un chiste de cierto presidente y su hermana sin el contexto y su gracia? Imposible. **Pero sí puedo trasladar las sensaciones y reducir todo a una sola palabra: futuro. ¿Qué nos depara? ¿Cómo lo afrontamos? ¿Qué hacemos para mejorar?** Muchas preguntas que ya me venía haciendo internamente mucho antes de que mis pequeñas vacaciones coincidan con esta Feria y este regalo gratuito con Martel y Rey. Preguntas a las que no había encontrado una respuesta clara hasta ahora. **El cómo puedo explicarlo con dos analogías que van hacia el mismo lado que la propia cineasta contó.** Comparó la vida y específicamente este presente con el judo y el río. Inesperada conexión pero recordó que en su adolescencia ganó un torneo de arte marcial japonés y habló levemente de cómo se practica este deporte: con paciencia. Su nombre significa “camino lento” y consiste no en atacar a tu oponente sino utilizar la fuerza de sus ataques para redireccionarlo y derribarlo, aplicarle una llave y contraatacar, pero sin utilizar golpes. Luego en otro pasaje de la charla volvió a hablar de lo mismo y sacó el tema ríos, algo que aparentemente la apasiona muchísimo y de cómo, justamente en una ciudad pegada al mar, el agua del Paraná podría ser más peligrosa que el océano mismo. ¿Por qué? Por sus intensas correntadas y diferentes niveles en la que el agua te arrastra, dejando una sola opción como válida para no ahogarte: siendo paciente y nadar dejándote llevar por ella. Aunque parezca la solución, luchar e intentar nadar solo te cansa y no te lleva a ninguna orilla y lo más probable es que termines muriendo en esa intensa batalla. **Para el qué hacemos me quedo con algo proveniente de su última película y cómo la construyó.** Al toparse con el video del asesinato de Javier Chocobar, miembro de la comunidad indígena de Chuscagasta, Martel comenzó a interesarse en el tema y se metió en el proceso judicial de este insólito y asqueroso caso de la barbarie humana y argentina a las comunidades indígenas. Pero sin meterme de lleno en la temática principal de “Nuestra Tierra”, Lucrecia habla de cosas puntuales surgidas a través del lerdo proceso judicial y lo tediosos que son los trámites en nuestra república y sugiere una cosa inexorable: la preservación de documentos, ya sean fotos, videos, notas escritas, cartas. Todo. Ella habla de lo injusto que es nuestro pasado y de cómo lo ignoramos fácilmente, pero que muy difícilmente podamos hacerlo si nuestras memorias son preservadas. Por supuesto y partiendo de la base conocida de la urgente falta de una cinemateca argentina para cuidar nuestra historia fílmica y la ignorancia de creer que los pueblos indígenas no guardan nada, Martel se topó con una pieza clave para el caso y era una mujer que tenía archivados miles de datos. La cineasta insistió en que esta actividad es primordial para entender y luchar; insiste también en que una de las actividades importantísimas para esto es la charla con otras personas, la curiosidad de ver qué piensa y qué tiene para decir. **Ahora para el qué nos depara es la pregunta más difícil de responder porque sería tener un poder de clarividencia y no estaríamos hablando acá.** Pero con las herramientas heredadas en las anteriores preguntas y respuestas, podemos suponer que el futuro, aunque incierto, puede ser bueno. Sin dejar de luchar, con paciencia y pruebas, y si hay que poner el cuerpo, también. Todas las “armas” son válidas y quizás encadeno esto con la muerte de Satrapi cuando dijo que “por cada bofetada recibida, yo daría 10 pero nunca sería la primera en pegar”, es una buena frase para enlazar todo lo que estamos viviendo como sociedad. Martel también insistió en que estas luchas, por más difícil que parezca, tienen que ser con una sonrisa en el alma y en el rostro, porque no hay nada más importante que la felicidad (algo que los que están al mando odian profundamente), y por eso, momentos tales como el que se vivió en esa Feria Invierno son importantísimos para la cultura. Personalmente no soy de los humanos que más esperanza tiene en el futuro, pero si quiero cambiar algo y dejar al menos un grano de arena, es este medio y estas palabras que escribo para quizás encontrarte a vos del otro lado y darte esa mínima esperanza de que todo va a estar bien. ![Lucrecia firmando y sellando su libro Un Destino Común](https://storage.ghost.io/c/cb/7d/cb7dca38-e0b5-4dfb-9068-d3ec8e2de0ec/content/images/2026/06/lucrecia1-1.jpg) **Lucrecia firmando y sellando su libro Un Destino Común* Al término de la charla, Martel y Rey se sentaron en una sala anexa a firmar y dejar una estampa en cada libro de “Un Destino Común”, actividad que están haciendo en diferentes encuentros, algo así como para seguir alimentando todo lo que hemos hablado. En este momento, solo pienso en todo lo que acabo de escuchar y en el futuro que me depara a mí, a Sofi y a nuestro hijo, en qué heredará y qué le enseñaremos para seguir mejorando. Me topo con Lucrecia, sentada con una gran sonrisa. Nos mira y mira la panza y se ríe. Nos pregunta nuestros nombres y le digo **“Agus, Sofi y Pipe, que esperemos que el futuro sea mejor para él”** > **Para Agustín, Sofi y Pipe.** > **(Paciencia Pipe)** > LM > Mar del Plata, junio de 2026 Esta vez, ese film imaginario que me invento de tanto en tanto tuvo realmente la escena que significaría un impacto en mi vida. --- ## Sumate a Red Apple Zine Revista digital de cine, música y cultura general con reseñas, entrevistas y editoriales. Suscribite Email sent! Check your inbox to complete your signup.